23. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Alberto Durero. Jesús entre los doctores, 1506. Óleo sobre tabla. 64,3 x 80,3 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

 Cubamatinal/ Madrid, 22 de mayo de 2012.

 Recordada Ofelia:

Coincidiendo con la celebración de su 20 aniversario, el Museo Thyssen-Bornemisza ha   puesto en marcha diversas actividades para conmemorar su apertura. En este contexto se inscribe   miradas cruzadas, un ciclo expositivo cuyo objetivo es incentivar en los   visitantes un juego de conexiones y divergencias entre obras de distintas épocas y estilos   procedentes de las colecciones del propio Museo.

A partir de hoy   22 de mayo se presenta, en la sala mirador de la primera planta -con acceso   directo desde el hall central y entrada libre-, la segunda entrega de esta serie, con el título   Rostros y manos, pintura germánica antigua y moderna. La muestra propone una   confrontación entre el Renacimiento germánico y el Expresionismo y la Nueva Objetividad   que surgen en Alemania tras la Primera Guerra Mundial, con obras de Alberto Durero,   Lucas Cranach el Joven, Otto Dix o Max Beckmann, entre otros. Tanto en el Renacimiento   como en el siglo XX los artistas de estos movimientos se interesaron por el hombre y su   imagen, así como por su exaltación a través del arte. Para estos ideales el retrato era el   vehículo perfecto, lo que contribuyó al gran auge que tuvo en ambas épocas.
El retrato constituye uno de los géneros pictóricos de mayor calidad y cantidad de la    tradición pictórica alemana explica la preferencia por este género del primer barón   Thyssen-Bornemisza y de su hijo y fundador del Museo, Hans Heinrich.
Una mirada atenta a la selección de obras   que se presenta en este nuevo montaje   permitirá al espectador advertir la influencia que los maestros antiguos alemanes   ejercieron sobre artistas como Otto Dix o   Max Beckmann a principios del siglo XX.   A   pesar de su lejanía en el tiempo, es posible   observar su proximidad técnica y teórica en   aspectos como la similitud en los esquemas   de representación, el interés por el detalle y   el realismo, así como la obsesión por retratar   la personalidad y la psicología de los   personajes a través de los rostros y de las    manos.
Rostros y manos que acaparan la atención, llegando a ocupar a veces la totalidad de la   superficie pictórica; como en Cristo entre los doctores, obra maestra de la Colección, en la   que Durero intensifica la expresividad a través del gesto rozando incluso lo grotesco. También el rostro y la mano de Beckmann en su Autorretrato o de Max Schmidt, en el   retrato realizado por el austríaco Oskar Kokoschka, se convierten en el centro de las   miradas y cobran un papel protagonista para   representar la psicología de los personajes.
Otto Dix, figura clave de la Nueva Objetividad, refleja   también en su obra una evidente influencia de la   tradición pictórica germánica, recuperando la técnica   de pintura sobre tabla o las veladuras de los maestros   renacentistas. La puesta en escena de sus cuadros,   como vemos en   Hugo Erfurth con perro, muestra   igualmente un gran paralelismo con obras de maestros   del Renacimiento, con la figura humana destacada   sobre grandes cortinajes y fondos en diferentes gamas   de azul. Así lo vemos, por ejemplo, en   Retrato de   Ruprecht Stüpf, de Barthel Beham (1528). En ambos   casos, como en otras obras reunidas temporalmente   en esta selección, la abundancia de detalles y el   realismo permiten al artista transmitir la psicología del   retratado o resaltar elementos u objetos que nos   hablan de su estatus social, su oficio o su   personalidad.
Rostros y manos, pintura germánica antigua y moderna. Del 22 de mayo al 2 de septiembre de 2012. Museo Thyssen-Bornemisza. Comisaria: Dolores Delgado, área de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza.
Un gran abrazo desde nuestra querida España,
Félix José Hernández.

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22. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

La Fontanilla. Al fondo se encontraba el muelle de donde partieron las Carabelas en 1492.

Cubamatinal/ París, 21 de mayo de 2012.

Recordada Ofelia:

Hoy hace 31 años que tomamos el Douglas DC 10 de Iberia rumbo a Madrid, dejando atrás La Isla del Dr. Castro con todos los recuerdos de nuestras infancias, adolescencias y juventudes. El balance de todo lo que hemos logrado en estas tres décadas de Libertad es muy positivo.
Te deseo contar nuestro viaje a Palos de la Frontera   el 1° de marzo, allí donde inicio el viaje el gran Cristóbal Colón con sus tres Carabelas.

El pueblo se encuentra situado en la llamada Tierra Llana de Huelva, en Andalucía, muy cerca de la frontera con Portugal, en la margen izquierda del río Tinto, a sólo cuatro kilómetros de su desembocadura en el Atlántico. Hoy día tiene nueve mil habitantes y está rodeado por campos de fresas, donde trabajan fundamentalmente braceros venidos de Rumanía y de África Subsahariana en condiciones inaceptables para un campesino de la Unión Europea. Los cultivos están cubiertos por tejidos plásticos a baja altura, por tal motivo deben trabajar de rodillas o agachados durante horas y   soportando un calor sofocante.

Nuestra visita comenzó por el Monasterio de La Rábida- del cual ya te escribí la semana pasada- ,allí encontró hospitalidad, comprensión y apoyo el gran Almirante. Los franciscanos intercedieron por él y lo pusieron en contacto con los marinos palermos. Cuando Martín Alonso y Vicente Yánez Pinzón decidieron incorporarse a la expedición, animaron a enrolarse a los más experimentados marinos del pueblo. El 3 de agosto de 1492 la Santa María, la Pinta y la Niña   partieron del Puerto de Palos y el 12 de octubre desembarcaron en la isla de Guanahaní (actualmente una de Las Islas Bahamas donde estuve en el pasado mes de agosto), a la que llamaron San Salvador.

Frente al Monasterio está el Parque Rabideño. Es un espacio ajardinado de 12 hectáreas adaptado a una topografía irregular con pequeños estanques y riachuelos. En su entrada una original fuente en forma de géiser da la bienvenida al visitante.

Se llega al pueblo por la bella Avenida de América, la cual está ornamentada con los escudos en azulejos de todas las Naciones Hispanoamericanas y de   las Comunidades Autónomas de España. Está flanqueada a ambos lados por palmeras.

En la Plaza Pilar Pulgar, a la derecha se alza el Obelisco de la partida. Está ornamentado con azulejos pintados relativos a la partida de las Carabelas, inspirados en los frescos de Daniel Vázquez Díaz del Monasterio de La Rábida.   A unos doscientos metros más adelante, yendo hacia el centro del pueblo, está la Plaza de la Coronación , bello espacio   ajardinado donde se alza el monumento que representa el momento de la Coronación de la Virgen por S.S. Juan Pablo II, obra del escultor Palermo José Luis Rosado. Pudimos admirar a la Virgen de los Milagros en el Monasterio de La Rábida. Es una escultura de 54 centímetros labrada en alabastro de finales del siglo XIII. La Virgen está representada de pie con el Niño en sus brazos. Su composición casi diagonal es típica de las torsiones del manierismo goticista.

Llegamos a la Plaza Mayor de Palos, dedicada al comandante Ramón Franco por el vuelo internacional Palos-Buenos Aires. El célebre piloto partió el 22 de enero de 1926 del Muelle de la Calzadilla en el hidroavión Plus Ultra, realizando   por primera vez en la historia, un vuelo entre Europa y América del Sur. En la plaza se alza el monumento del ilustre marino Martín Alonso Pinzón, que figuró en la Exposición Iberoamericana de 1929. Junto al Muelle de la Reina se encuentra el monumento al Plus Ultra donado por suscripción popular por el pueblo argentino.

La bellísima casa natal de los hermanos Pinzón, de mediados del siglo XV, posee una fachada ornamentada con hornacha enmarcada entre dos columnas y una azulejería de estilo sevillano. Al recorrer el patio y las habitaciones de los dos pisos, te sumerges en la historia del descubrimiento. La muchacha que atiende al público es amabilísima, sus informaciones fueron precisas y nos permitieron conocer al máximo   la riqueza histórica que contiene este pequeño pueblo.

En la misma acera se encuentra el Juzgado de Paz, que fue en el siglo XVI el Hospital de la Sangre, el cual bajo la advocación del Cristo de Veracruz se ocupaba de atender a los marinos que llegaban enfermos de sus viajes y a los habitantes de la Villa de Palos. Los techos y escaleras de maderas preciosas, así como los pisos,   son bellos.

Al final de la calle llegamos hasta la Iglesia de San Jorge Mártir, de estilo gótico mudéjar. Su nave principal fue construida por los Condes de Miranda en el siglo XV. Por la Puerta de los Novios salieron los marinos, al terminar la misa, para embarcarse en las Carabelas en la madrugada del histórico 3 de agosto de 1492. Se baja por una escalera hasta la plaza donde se encuentra La Fontanilla . Junto a ella se encontraba el histórico muelle   del que partió la expedición descubridora de América. Era la fuente pública de Palos, está protegida por un templete cuadrangular del siglo XIII de estilo mudéjar, donde se abastecieron de agua los marinos de las tres Carabelas. Junto a La Fontanilla está el monumento a los hermanos Pinzón. El muelle fue cubierto por los aluviones y hoy día es una zona cenagosa. Un monumento indica el lugar exacto donde se encontraba. ¡Fue un momento emocionante!

Palos cuenta con un Puerto Deportivo con gran número de amarres, lo que atrae a muchas personas amantes de la vela con pequeñas embarcaciones. En él se ubica el Club Náutico y la Escuela de Vela.

La bella e inmensa Playa de Mazagón de arenas   blancas y bordeada por pinares, se extiende a lo largo de casi 13 kilómetros. Todo esto hace de Palos de la Frontera un lugar ideal para pasar vacaciones familiares.

Tengo tantas fotos de todo lo que te he contado en esta carta que no sé cuál escoger para ilustrar la presente, pero bueno, las puedes encontrar todas en mi página de facebook.

Deseo terminar reproduciéndote las palabras que escribió Fray Ángel Ortega :

“Palos de la Frontera es, por excelencia, y en toda la extensión de la palabra el pueblo natal de los marineros y la tierra de toda la empresa del Descubrimiento. De hecho, hoy la ciudad más humilde porque todo lo dio, porque nada se dejó para sí misma y nada trajo a sus arcas del oro ni de las riquezas que trajo de las Indias, perfecta imagen y vivo retrato de España, exhausta y envejecida en la función materna, fecunda y nobilísima; es por derecho propio, la capital de España-América”.

Desde Palos de la Frontera continuamos a Moguer, pero de ese pueblo te escribiré en mi próxima carta.

Un gran abrazo desde este   Viejo Mundo cargado de historia,

Félix José Hernández.

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21. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/  Memorias  de un calvario

Cartel de propaganda en San Cristóbal de La Habana.
Cubamatinal/ París, 21 de mayo de 2012.

Mi recordada Ofelia:

Ayer se cumplieron ciento diez años de la proclamación de La República de Cuba. Para algunos era mediatizada, para otros corrompida, para otros muchos paradisíaca, pero con todos sus defectos se puede afirmar que todo no era tan negro como dicen algunos ni tampoco tan puro como cuentan otros. Winston Churchill dijo que la democracia burguesa­ tenía muchos defectos, pero que no se ha­bía inventado nada mejor, y yo comparto plenamente su opinión.
A veces parece que fue ayer cuando tomamos aquel avión de Iberia en San Cristóbal de La Habana rumbo a la capital de nuestra Madre Patria. Fue el 21 de mayo de 1981, hace hoy exactamente 31 años.
Recuerdo que dejé en casa a Mario, el primo médico de mi esposa (en aquel momento en vías de apestarse gracias a sus vínculos familiares con sus padres y hermanos “escorias” que estaban ya a salvo) y a Lolita, mi amiga y colega de la E.S.B. Mártires de Humboldt 7.
Ellos se queda­ron con mi madre mientras que mi padre iba a la piquera del Hospi­tal de Emergencias –más conocido como el Matadero Municipal–, para buscar un taxi que nos llevara al aeropuerto de Boyeros.
La casa estaba cerrada y no se le abría a nadie salvo que diera los tres toques, como en las películas. Llegó el taxi, salimos corriendo para que no nos viera alguien, sobre todo el compañero Arranz, que nos vigilaba desde la acera de enfrente, detrás de la reja de su cuarto, el que estaba en línea recta con la sala de mi casa. O por si acaso, el compañero comandante Miguel Down o su querida hermana Fina, los que nos vigilaban desde la “torre de control” que era su ventana del segundo piso del inmueble frente a mi casa.

El peor de todos, el que nos había prometido un buen mitin de repu­dio y una buena monda para que nos acordáramos por siempre de la intransigencia revolucionaria de los “heroicos compañeros” del Comité de Defensa de la Revolución Leopoldito Martínez, era el “compañero” Ramón Vázquez. Gracias a Dios logramos escaparnos sin repudio ni monda.
Al aeropuerto nos acompañaron Magdalena mi cuñada, que ya era considerada “escoria” y mi padre. Esta huída nos impidió despedirnos como se debe de amigos y familiares, a los que visitamos como si no fue­ra la cosa, en la semana precedente al gran vuelo. Incluso recuer­do que mi tío Renato llegó por casualidad a casa y tocó cuando ya estábamos a punto de irnos, mi padre que venía en el taxi se agachó y le dijo al taxista que continuara y le diera la vuelta a la manzana.

Después nos esperó en la esquina de Zanja y Soledad hasta que Renato pasó por al lado de él y como mi padre se había agacha­do en su interior no lo vio. Todo esto para que nadie se enterara de que nos íbamos ese día.
Incluso la noche anterior habíamos ido a visitar a Celita y a Juan que ya eran también “escorias” y a los padrinos de mi hijo, Cuca y Ñico, “escorias” también. Hoy 31 años después me doy cuenta de que mi casa era una casa rodeada de “esco­rias” por todas partes.
Mario está en Canarias con   su familia, Magdalena y familia en New Jersey, Celita, Juan, Cuca y Ñico en Miami. Lolita es la única que no ha logrado salir de Cuba. Todas esas “escorias” se convirtieron en mariposas de la Comunidad Cubana en el extranjero o mejor dicho: Cubanos de Ultramar, como los ca­lificara en una entrevista para el periódico español El País, el compañero caído en desgracia, Robaina.
Aquellas seis horas que tuve que pasar en la aduana fueron inter­minables, mi hijo de 5 años tenía sed y cuando le pedí un vaso de agua a una “compañera” camarera me respondió : “pa’utede lo gusano no hay na”. Lo llevé al lavabo del servicio y allí le di agua en mi mano. En aquel momento juré que siempre tomaría agua de botella y así lo he hecho, llevo todos estos años tomando Evian y Perrier.

En cierto momento vi de lejos al compañero del Busto, la eminen­cia gris de aquella época de Cubatur y me fui a esconder al servicio hasta que como un cuarto de hora después mi esposa me tocó la puerta para decirme que ya había salido de la aduana.
Cuando le hago estos cuentos a mis amigos franceses me dicen que yo estaba en una etapa paranoica y, es que ellos no saben lo que es vivir allá, en una isla llena de compañeros o de supuestos compañeros por todas partes. Yo les cuento como el compañero responsable de vigilancia, Ramón Vázquez, micrófono en mano exhortaba a las masas del heroico C.D.R. para que no saludaran a las “escorias” de la cuadra.
Como la escuela en la que yo trabajaba estaba a seis manzanas de mi hogar, los adolescentes de mi barrio, muchos habían sido alum­nos míos y ahora no debían saludarme. La hija de la infinitamente revolucionaria, la compañera Fina Down, la de la infinita lengua, me viraba la cara cuando me veía.
Otro personaje era el babalao Evelio, vivía al lado de mi casa, pasaba mirándose la punta de los pies por tal de no mirar ha­cia la sala por la reja siempre abierta (como había sido hasta la víspera su costumbre), para conversar un poco con mi madre. Ella que siempre estaba allí sentada haciendo flores de papel, puso una cortina de apenas unos centímetros de ancho para que el pobre babalao pudiera pasar con la cabeza alta.
Otro vecino a cuyo teléfono me llamaban mis amigos, el señor Lombardo, repentinamente cambió el número, para que yo no entrara más a su casa y de esa manera, él y su familia no correrían el riesgo de contaminarse. Pero no todos cedieron ante las presiones o el miedo, continuaron dirigiéndome la palabra y viniendo a mi casa gentes nobles como la inolvidable Mita y su esposo el Dr. Moreno; Esther Vergara, cuyo sentido del humor siempre fue extraordinario. A cada vez que nos veía con una carpeta debajo del brazo, haciendo las innumerables gestiones para obtener el permiso de salida durante aquellos inolvidables 11 meses, nos decía: “cualquier día me levanto y me dicen que ustedes se fueron”. Y así fue.
Otro personaje alto en color fue Cuca, la querida tía de mi amiga Miriam, la que tenía el valor de criticar al Coma-Andante en Jefe y a su régimen a voz en cuello en la puerta de su edificio Las Dos Niñas, ¿Por qué se llamaría así? Ella siempre decía: “a mí que me lleven presa, pero que me metan en una granja por donde pase un río para poderme lavar la …” Escrito aquí así puede parecer grosero, pero ella lo decía con ese sabor popular cubano incomparable y provocaba risas de admiración. Ella siguió hablándonos como su hermana Regina y la madre de ambas Nieves, ésta última me ofreció su teléfono y pude seguir comunicado con el mundo para recibir llamadas. Pero para hacer mis gestiones con: España, Venezuela, Fran­cia, Italia y los E.U.A., tenía que pasar las noches metiendo el dedo, como se decía, por el disco giratorio de aquellos teléfonos ne­gros, en casa de mis compadres.
Mis colegas de la Humboldt 7, como le decíamos a la escuela, me guiña­ban el ojo cuando me veían en la calle, incluso una me tiró por el brazo y me metió detrás de la puerta de una escalera en Belas­coaín para que nadie la viera saludarme. Sólo hubo tres excepciones, las de las compañeras Berta Espinoza, Mildret Miró y Orquídea Campos. Qué diferentes a mi colega Nery Moya, mi amiga del alma. Mis alumnos cuando me veían me saludaban, me felicitaban y me pedían que cuan­do me fuera les reclamara. En mi acera vivía Raquelita, ex alumna; ella co­mo su hermano, me saludaban al doblar de la esquina pero jamás en mi acera, pues allí estaba el Ojo de Orwell. Su abuela vino a hablarme para pedirme disculpas y comprensión para sus nietos. Esa fue la Cuba que yo dejé atrás un 21 de mayo de 1981.
Cuando el avión despegó vi las palmeras reales y al poco tiempo un mar turquesa espléndido. Volví a ver las palmeras reales de nuevo diez años después en los jardines del Museo Nacional del Cairo y un color de mar así en la Gruta Azul de la isla de Capri.
¡Cómo han pasado cosas en estos 31 años! Si Dios quiere, pensamos ir a los U.S.A. para las Navidades, para volver a ver y platicar con tantos amigos y familiares que residen allí, te tendré al tanto.
Estuve conversando más de una hora con Eva Rodríguez, uno de los personajes que más recuerdos bellos me trae a mi mente, ya que ella es parte de mi infancia. Me llamó desde Miami, desde su terraza, a partir de la cual la vista sobre el océano merece las cinco estrellas de la Guide Michelin.
El domingo nos fuimos con unos amigos a las famosas guinguettes, al borde del río de la Marne, son: restaurantes, bares, cafeterías, etc., con pistas de bailes y orquestas. Allí vimos a parejas de vie­jitos bailar vals, tango, pasodobles, todo muy retro. Los camareros gastaban sombreros de pajilla y grandes bigotes. Otras parejas remaban o paseaban por las aceras entre los jardines. De ese lugar hicieron muchos cuadros célebres algunos pintores impresionistas, novelas, películas, etc. Nos comimos unas cacerolas de mejillones acompañadas de patatas fritas y vino blanco, todo deli­cioso. Es un lugar que a mi madre le hubiera encantado.
Ya me iba a despedir y me doy cuenta de que me faltaron dos cosas por contarte de nuestros últimos días en la ex Perla de las Antillas. La primera fue la aventura de mi esposa, la cual fue lla­mada a la oficina del jefe de personal del Ten Cent de la calle Galeano pues nuestro heroico Comité de Defensa de la Revolución había llamado por teléfono para informar que ella era “escoria”.

Lógicamente, mi esposa negó todo y el jefe convencido la dejó volver a su puesto de trabajo , que era la llamada Fuente de Soda, pero ella lo que hizo fue salir corriendo por toda la calle San Rafael para nues­tra casa, adonde llegó aún con el uniforme blanco. Inmediatamente mi padre fue a devolverlo, pues quizás la podrían acusar de robo. Pero su ropa no pudo recuperarla del vestuario, seguramente alguna com­pañera la había expropiado, como bienes malversados.

Esa misma tarde al llegar a buscar a mi hijo al Círculo Infantil, como llaman en la Perla de las Antillas a las guarderías, la compañera directora, que hasta el día anterior había sido muy amable, me dijo que el niño era expulsado pues sus padres eran “escorias” y el Círculo era sólo para niños revolucionarios.

Gracias a Dios el niño ni se dio cuenta y nos fuimos a la cremería del Yang Tse de la calle 23 a tomarnos unos cremosos helados. Allí me encontré con mi primo Lazarito y el tema de la conversación fue el caso de Luis Valdés, nuestro primo que en ese momento estaba con su familia en el interior de la Embajada del Perú en La Habana, solicitando asilo en unión de otros 10 800 cubanos. Pero Lazarito no criticó, simplemente trataba de comprender lo que pasaba. Creo que ya debe de haber comprendido. Bueno, te dejo, no te canso más. Te deseo todo género de cosas bellas en unión de tus seres queridos.
Estoy del otro lado del océano, en esta vieja y fría Europa.
Espero que Dios permita volver a vernos más temprano que tarde.
Un gran abrazo,
Félix José Hernández.

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20. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Cubamatinal/ París, 18 de mayo de 2012.

Querida Ofelia:

Con esta nueva novela, Abilio Estévez confirma la gran calidad de su literatura y su lugar entre los mejores escritores cubanos actuales. La época, los lugares y las situaciones que viven los personajes a lo largo del libro, son reales. Sólo éstos últimos son imaginarios.

Estévez logra enganchar al lector de tal manera que es difícil cerrar el libro, todo invita a leerlo de un tirón, sin pausas.

Una calurosa tarde, cuando los habitantesdel barrio habanero de Marianao se refugianen sus casas huyendo del bochorno y la ra­dio difunde la melodía de un calipso, un jo­ven de quince años sale al patio en busca dealgo de brisa. Allí, tendido sobre la hierba,bajo los árboles y rodeado de matas cargadas de mangos, el joven fantasea con escenas de películas cuando, de pronto, en el jardín con­tiguo, irrumpe un jardinero que, ajeno a todo,arregla sudoroso las plantas, afila su machetey desaparece en la casita de los aperos se­gundos antes de que llegue la lluvia. Esa apa­rición despierta en el joven sensaciones has­ta ese momento desconocidas, desencadenan­do, a su vez, deseos de nuevas vivencias.

Ya nada será como antes. Desde las novelitas eróticas que el protagonista descubre escon­didas en su propia casa, hasta los encuentros muy poco inocentes que espía aquí y allá, aveces a plena luz del día, o la voluptuosa ac­titud de personajes como el tío Mirén, las her­manas Landín, el Negro Tola o el atractivopitcherdel equipo de béisbol del instituto,todo lo conducirá al descubrimiento gozoso del sexo.

En su iniciación, mientras toma plena con­ciencia de su propio cuerpo, el joven apren­derá que el erotismo es como una batalla lle na de estrategias y escaramuzas, una lucha sin vencedores ni vencidos, pero para la que hay que prepararse. Sus experiencias no sólole abrirán definitivamente los ojos a la rea­lidad, sino que también derribarán algunosmitos y marcarán el inevitable final de suinfancia, en ese año, para él inolvidable, en que todo el mundo vibra al son del calipso.

Abilio Estévez(La Habana, 1954) reside en la actualidad en Barcelona. Se licenció enlengua y literatura hispánicas y cursó, estu­dios de filosofía en su ciudad natal. Ha es­crito tres magníficas novelas unánimementeaclamadas por la crítica y traducidas a más de ocho idiomas: Tuyo es el reino (Andanzas 317 y Fábula 257), merecedora del Premio de laCrítica Cubana 1999 y del Premio al Mejor Libro Extranjero 2000 en Francia, Los pala­cios distantes(Andanzas 485), seleccionada porLa Vanguardiacomo Libro del año en 2004, y El navegante dormido (Andanzas 659), a las que le ha seguido El bailarín ruso de Monte­carlo (Andanzas 726). Es también autor de In­ventario secreto de La Habana(Andanzas 557), del volumen de cuentos El horizonte y otrosregresos(Andanzas 348), de las prosas poéti­cas Manual de tentaciones (Marginales 179) -ganadoras del Premio Luis Cernuda 1986 ydel Premio de la Crítica Cubana 1987-, y devarios textos teatrales, entre ellos los monó­logos Ceremonias para actores desesperados (Mar­ ginales 220).

El año del calipso. 227 páginas. Tusquets Editores, S.A. 2012. Ilustración de la portada: Voluptas (1992) -una de esas fabulosas papayas surrealistas que sólo el célebre pintor cubano residente en París, Ramón Alejandro, ha sabido pintar-, óleo sobre lienzo, 195 x 130 cm. Colección privada.

Como de costumbre te lo haré llegar para que después de que lo hayas leído, lo hagas circular entre nuestros amigos. Estoy seguro de que todos los que lo lean van a pasar buenos momentos.

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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17. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Los suecos MF/ MB/.

Cubamatinal/ Sevilla, 12 de mayo de 2012.

Querida Ofelia:

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presenta la VIII edición de Nocturama, una programación de conciertos de música pop y alternativa que se desarrolla desde el año 2005 durante los meses de verano en las zonas de jardines y exteriores del museo. En la edición 2012 participarán veintiún grupos, once en la programación de julio que dará comienzo el 27 de junio, y diez en la propuesta de agosto. El concierto inaugural tendrá como protagonistas al grupo sueco MF/MB/ y el de clausura el día 30 de agosto correrá a cargo de Dr. Explosión.

Siguen colaborando con el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en la realización de este ciclo las empresas Greenufos, que lleva a cabo la programación de julio y el concierto inaugural, y La Suite que programa los conciertos del mes de agosto.

MF/MB/.
Comenzaron en la música hace más de cinco años, en el norte de Suecia, cuando tenían 17, tocando versiones de Arcade Fire, con ocho miembros en el escenario, trompetas y acordeones. Un tiempo después cambiaron de batería, añadieron más elementos electrónicos y se mudaron a Malmö. Fue por entonces cuando la combinación de influencias (The Rapture, M83, LCD Soundsystem, Foals, Franz Ferdinand…) en la música de MF/MB/  se convirtió en algo único. MF/MB/ es las guitarras, las baterías, el bajo, los sintetizadores, las voces y los computadores, pero sobre todo es Víctor, Jocke, Sebastian, Christine y Erik, haciendo la mejor música que saben. Su álbum debut Folded, fue lanzado en 2010 y aclamado por la crítica, tanto en los países escandinavos, como en Alemania y América del Norte. www.thisismfmb.com

LOS PUNSETES.

Está formado por cinco miembros, viven en Madrid y aman más que nunca a Punset. Ariadna (voz), J. (guitarra), Chema (batería), Anntona (guitarra) y Gonzalo (bajo) editaron su primer LP en 2008 con Gramaciones Grabofónicas (algo así como su propio sello) y una licencia Creative Commons. Reeditado y distribuido por los canales convencionales en 2009 por Everlasting/Popstock!, fue reconocido por varios medios nacionales como uno de los álbumes de la década. Uno de los temas, “Dos Policías”, se convirtió en un himno de protesta ante la desmesurada presencia policial en las calles del popular barrio de Malasaña de Madrid durante los días de la campaña “Free Nasti”, nacida a raíz del cierre prematuro de la sala Nasti.

En 2010 editaron LP2, un disco con 12 canciones -como el otro-, todas originales, -no como el otro-, y sin las letras, como los de The Fall. En mayo de 2012 editarán su tercer disco, un trabajo producido por Pablo Diaz-Reixa (El Guincho) y Brian Luis Hernández. En él encontraremos títulos tan sugerentes como “Alférez provisional”, “Un corte limpio”, “Los glaciares”, “Malas tierras”, “Flora y fauna” o “Tráfico de órganos de iglesia”.

LA CASA AZUL.

Guille Milkyway, el nombre que hay detrás de La Casa Azul, es sin duda el artista efervescente, el que ha conseguido derribar las barreras del comercialismo, para llevar a todos los oídos el bubblegum, el sunshine-pop, el europop y todos esos estilos que merodean en torno a las melodías más hermosas y los arreglos perfectos.

No hay comparación posible, su identidad es propia e inconfundible: Guille Milkyway ha transgredido fronteras entre estilos (como por ejemplo ese “Yo también” de acento rumbero que le sirvió para ganar el Goya a la mejor canción), y a lo largo de sus cinco discos de estudio ha firmado canciones tan redondas, adictivas e irresistibles como “Superguay”, “La revolución sexual”, “Todas tus amigas” o “Cerca de Shibuya”. Con la pista de baile en el punto de mira, pero sin olvidar las emociones a flor de piel, y la fantasía musical como motivación, La Casa Azul ha superado el circuito independiente para convertirse en cabeza de cartel de los festivales más importantes, ser número uno de listas de ventas y estar en la boca de todo aficionado a la música que se precie.

La Casa Azul acaba de lanzar La Polinesia Meridional, que en sus pocos días de andadura ya ha recibido grandes elogios y respuesta, como entrar en el puesto 19 de la lista ventas, ser Nº1 en la lista de iTunes España, trending topic mundial en Twitter o salir en algunos de los medios más importantes.

MIÈLE.

La banda belga Mièle publicó su disco de debut en 2006, en el sello de Bruselas Humpty Dumpty Records. Cuatro años después llegó su sucesor,        Le jour et la nuit, un disco que ha dejado un poco de lado al rock para acercarse más al pop y la chanson. Crepuscular y sensual como la balada que  abre y titula el disco, o divertido como “ Chateaux de sable”, una maravilla pop entre vintage  y moderna que nos ha robado el corazón. Coros angelicales, toques surrealistas, romanticismo, psicodelia, todo esto conforma el bello, hipnótico y fascinante sonido de Mièle.

Su último disco muestra a un grupo que ha madurado y ha dado un carácter inconfundible a su música. Grabado en París y Bruselas, mezclado por Marc François (Ozark, Henry, Novastar), el álbum contiene diez perfectas canciones pop con letras inteligentes (todas en francés) y melodías memorables que harán que incluso los más recalcitrantes anglófilos las tarareen. Se añade también el encantador juego de voces chico-chica de Stéphane Dauberry y Catherine De Biasio, los sorprendentes arreglos y un toque sofisticado de chanson francesa, que hacen de Mièle una banda única, sin duda entre los nuevos valores francófonos a descubrir más allá de las fronteras de su país.

ESPANTO.

Operan desde los márgenes, en el underground, desde su casa de Logroño. Una forma sencilla de definir a Espanto sería decir que son un “dúo de pop acústico con retranca”. Otra más breve aún sería decir “Espanto es Teresa, es Luis”. Desde 2005 llevan haciendo canciones. Porque eso es lo que más disfrutan, jugar con las melodías y las palabras e ir construyendo canciones. A veces hacen conciertos, que son íntimos y delicados, pero para ellos eso no es lo más importante.

Sus gustos e influencias (cancionero popular, bossa, canción francesa e italiana…) aparecen en sus canciones pop, de instrumentación preciosista, que contrastan con unas letras precisas, sin artificio y que van directas al grano. Bajo un costumbrismo intrascendente, en apariencia abordan, con guasa, problemas tontos y serios, malos rollos, dilemas morales y rencores ante los cambios al hacerse mayor.

DOBLE PLETINA.

En 2010 Marc y Laura, procedentes de la banda Abrevadero, se juntaron con el objetivo de hacer canciones sencillas y bonitas. Poco a poco fueron saliendo composiciones brillantes y vivas y decidieron ampliar la banda incorporando a Cati (batería), Francina (ukelele) y Jaume (teclados) para dar más enjundia a los temas.

En seguida colgaron un par de demos en Bandcamp, para echar el resto con  Para qué negarlo, si se puede demostrar (2011), una maqueta enriquecida con un cuidado diseño, un montón de material gráfico y de tirada limitada (y numerada a mano, como mandan los cánones) a 200 copias, que volaron enseguida. Fue distribuida a través de Annika Records y, con ella, su fama en Barcelona empezó a crecer, sin prisa pero sin pausa.

Es en el último trimestre de 2011 cuando empieza realmente su explosión: presentaciones en Barcelona y Madrid, apariciones en medios cada vez más frecuentes, puestos de honor en casi todas las listas de lo mejor del año y una base de fans apasionada y fiel. Rematan su año mágico con un regalo: un villancico llamado “Navidad Tiki” que sirve para felicitar las fiestas a la hawaiiana. Como en anteriores ocasiones, la canción se presenta con una imagen a modo de portada diseñada por David Marmota y el cantante de la banda, Marc Ribera, que sigue una línea conceptual que hace que sus referencias sean reconocidas a la primera sólo por el envoltorio.

JACK BEAUREGARD :

Está formado por Pär Lammers y Daniel Schaub de Berlín, Alemania. Han estado hacienda música juntos desde 2006. “The Magazines You Read” es su segundo álbum. Es un disco sobre luchar para definir tus propias opiniones sobre ti y el mundo, a pesar de todas las respuestas y preguntas. Su primer single “You Drew A Line” es sobre el final del amor. Por supuesto: fue culpa de la chica. Además de las de su propio grupo, Jack Beauregard, a veces escriben canciones para otros grupos. Un público muy amplio conoce sus composiciones para la estrella pop alemana Lena Meyer-Landruth (”I Just Want Your Kiss”, “We can’t go on”, “Maybe”, “Push Forward”). Jack Beauregard hicieron exitosas giras por Inglaterra y Suecia en 2009 y 2010. También tocaron en Alemania ese año teloneando a Mika y Hurts.

SALIM NOURALLAH

Es un autor y cantante de Texas, aunque no lo parezca realmente. Junto con su hermano Faris, creció obsesionado con los Beatles. Años después, en el 2000, ambos grabaron un clásico del indie underground  americano, el disco The Nourallah Brothers, para el sello americano Western Vinyl. Desde entonces Salim comenzó una carrera en solitario, publicando dos álbumes, Polaroid en 2004 y Beautiful Noise en 2005, también en Western Vinyl. En 2006 el sello alemán Tapete Records reeditó Beautiful Noise y a partir de ahí comenzó una relación que continuó con la publicación de Snowing In My Heart  en 2007 y  Constellation en 2009. Relación que sigue vigente con la edición en este 2012 de su último trabajo hasta la fecha Hit Parade, álbum grabado en Austin, Texas, durante cinco días en agosto de 2010.

Salim Nourallah también fundó en 2003 un modesto estudio de grabación en Dallas, al que bautizó como Pleasentry Lane. En él ha grabado y producido muchos de los más finos trabajos de los que probablemente no hayas oído hablar nunca. Bandas y artistas como the Deathray Davies, Rhett Miller, the Damnwells y Old 97’s han pasado por el Pleasentry Lane.

(continuará)

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15. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas culturales: Cine

Cubamatinal/ Madrid, 13 de mayo de 2012.

Querida Ofelia:

El madrileño Cine Estudio recupera tres obras maestras del cine mudo: Tiempos modernos , El crepúsculo de los dioses y la triunfadora de la última edición de los Oscar, The Artist . Un pequeño recorrido desde los momentos finales del cine mudo hasta los años de la crisis del cine con la llegada del sonoro. Un ciclo que revive aquellas imágenes que crearon un lenguaje propio dentro de la historia del cine.

El cine mudo constituye la primera etapa histórica del séptimo arte. Cuando todavía la tecnología del cine no permitía grabar sonido y sincronizarlo con la imagen, este arte constituía un montaje de imágenes e intertítulos que contaban una historia valiéndose de su fuerza narrativa. En aquella época se filmaron películas que llevan años siendo estudiadas y sirviendo de referencia a cineastas y cinéfilos; Metropolis (Fritz Lang, 1927), Sunrise (F.W. Murnau, 1927), City of lights (Charles Chaplin, 1931) o Nosferatu (F.W. Murnau, 1922), entre otras.

No se puede hablar de cine mudo sin mencionar las películas de Charlot, el personaje que hizo mundialmente famoso a Charles Chaplin. Chaplin dirigió 73 títulos y actuó en 86 entre largometrajes y cortos, recibió el Oscar honorífico en dos ocasiones, fue nominado al Premio Nobel de la Paz y desde 1970 cuenta con su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Tiempos modernos (1936), la última película en la que aparece el personaje de Charlot y que ahora recupera el Cine Estudio, es una de sus películas más aplaudidas y emblemáticas y forma parte de las listas de películas más importantes de la historia del cine.

Con los avances tecnológicos nació el cine sonoro a finales de los años veinte. Losestudios y las salas de exhibición tuvieron que invertir ingentes cantidades de dineropara adaptarse a una nueva época.Diez años después del estreno de la primera película sonora, El cantor de jazz (1927), el cine mudo prácticamente había desparecido.

Los años 50 son una etapa de ruptura. Con la música y el cine nacen nuevas estrellas que se convierten en ídolos de una generación en busca del cambio, la libertad y la rebeldía de la que hacen su forma de vida Marlon Brando o James Dean.

Fueron años de crisis para la industria cinematográfica que se veía amenazada por la consolidación de la televisión. El crepúsculo de los dioses(1950) de Billy Wilder refleja magistralmente la crisis. La audiencia del cine decayó a niveles nunca sospechados, y muchos técnicos cinematográficos se pasaron al mundo de la televisión.

Lejos de resignarse la industria se alió con la televisión y se adaptó a las exigencias del nuevo público ofreciéndole algo que la televisión no podía: el señuelo mágico de las grandes salas. Esa rápida capacidad de adaptación permitió a la industria cinematográfica salir de la crisis y comenzar una de sus etapas más prolíferas. No se habían vuelto a hacer películas mudas de éxito desde aquellos años 30 hasta que el director francés Michel Hazanavicius fantaseo con la idea de volver a retomar toda aquella magia que durante años conquistó al público que creció viendo las películas de George Méliès y los hermanos Lumière.

En la Europa del cine mudo, Francia estaba a la cabeza en cuanto a industria cinematográfica se refiere. Hazanavicius quiso arriesgar y homenajear a todos aquellos directores con cuyas películas había crecido y a los que debía tanto. El resultado: TheArtist (2011). Y el riesgo mereció la pena: cinco Premios Oscar incluyendo Mejor Película y Mejor Dirección y toda una generación puesta en pie ante el artista que ha demostrado ser Michel Hazanavicius.

El cine se encuentra en continuo cambio, renovándose y adaptándose con el claro objetivo de seguir conquistando al espectador. De este cambio trata el nuevo ciclo del Cine Estudio que rescata estas tres películas que desde perspectivas diferentes analizan las mutaciones que provocó la llegada del sonido a las salas de cine:

The Artist (Michel Hazanavicius, Francia + Bélgica, 2011). Int.: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman.

Sinopsis: George Valentin es un prestigioso actor del cine mudo en Hollywood. Su carrera profesional es inmejorable hasta que la llegada del sonoro le hace perder muchos papeles, e incluso le hace perderse a sí mismo. Mientras, la joven extra Peppy Miller triunfa gracias a George, a quien intenta devolverle el favor.

Tiempos modernos (Modern Times) (Charles Chaplin, EE.UU., 1936). Int.: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman.

Sinopsis: Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la razón, extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje. Tras recuperarse en un hospital es encarcelado por participar por error en una manifestación obrera. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín, por lo que gana su libertad. Entonces, reemprende la lucha por la supervivencia, que compartirá con una joven

huérfana que conoce en la calle.

El crepúsculo de los dioses (Sunset Blvd.) (Billy Wilder, EE.UU., 1950). Int.: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim.

Sinopsis:“No necesitábamos diálogos… ¡Teníamos rostros!”, trona en este clásico de Wilder el personaje de Norma Desmond (Gloria Swanson). La prensa del momento tuvo reacciones dispares. En The New York Times se pudo leer la siguiente crítica: “El crepúsculo de los dioses es una rara mezcla de guión cáustico, interpretación magnífica, dirección magistral y fotografía discretamente artística con la que el público queda hechizado de manera automática y cautivo de un clímax desgarrador”. Por su parte, The New Yorker , en un alarde de condensación, la tildó gráficamente de “pretencioso trozo de roquefort”.

Un gran abrazo desde la culta capital de nuestra querida España,

Félix José Hernández

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12. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas de viajes

Monasterio de Santa María de la Rábida

Cubamatinal/ París, 6 de mayo de 2012.

Mí querida Ofelia:

El1° de marzo visitamos el celebérrimo Monasterio de Santa María de la Rábida, después de tantos años buscando una oportunidad para ir tras las huellas de Cristóbal Colón. Nuestra satisfacción estuvo a la altura de las esperanzas que teníamos. Aquí te cuento esa formidable visita que nos permitió penetrar en la historia no sólo de nuestro Mundo Hispánico, sino también de toda la Humanidad.
El Monasterio Franciscano de la Rábida, en este año celebra los 600 años de su fundación el 6 de diciembre de 1412. Situado en un pequeño alcor sobre el estuario en que confluyen los ríos Tinto y Odiel, en el municipio de Palos de la Frontera, provincia y diócesis de Huelva, España, este pequeño convento franciscano es el icono de uno de los hechos más determinantes de la Historia de la Humanidad.

La Providencia deparó al futuro Almirante una sorpresa en La Rábida. Quien tomó las riendas del asunto fue F. Juan Pérez, el que “de mozo había servido a la Reina Católica en oficio de contadores”, a saber: la Cancillería de Corte. Este será el que arranque a Colón la confesión del secreto, tan celosamente guardado y cuyo contenido pensaba rentabilizar en una negociación con la Soberana. El historiador coetáneo, López de Gómara, dice que “habló en paridad con Fray Juan Pérez en la Rábida”.
La confesión de un testigo de Moguer en los Pleitos, asegurando que Fraile viajó a Santa Fe de Granada para llevar a la Reina los papeles de Colón, nos pone en la pista sobre la naturaleza de tales confidencias. En efecto, durante su permanencia en Porto Santo, en casa del suegro, al parecer cambista y también de origen genovés, pudieron llegar a sus manos los papeles aludidos, dejados en prenda por los verdaderos pre nautas, a cambio de préstamos para regresar a puerto: conteniendo los mapas, corrientes marinas, vientos y descubrimientos. El habla y negocia siempre refiriéndose a islas y tierra firme. El papel de Fray Juan Pérez consiste en convencerle, que con un Estado y, más aún cuando se quieren obtener mercedes de la naturaleza que plantearía en las Capitulaciones, es imprescindible aportar pruebas.

El resultado es casi fulgurante: carta del Fraile a la Soberana, por un correo de Lepe, respuesta inmediata de aquella reclamando la inmediata presencia del Fraile en el Campamento, “dejando a buen recaudo y en conformidad de esperanza” al Ligur. Negociación de las Capitulaciones, “seyendo terceros Mosén Coloma e Fray Juan Pérez” y esto, en la casa de Ferrán Álvarez, secretario de la Reina. El resto es bien conocido: Colón ennoblecido con los títulos de Almirante “de la Mar Océana e non de la mar”, Visorrey, Gobernador de Islas y Tierra Firme que por su industria “descobriese” o ganase. Compra de la mitad del Señorío de Palos a los Miranda y los Cifuentes. Envío de la Real Pragmática a la Villa de Palos, ordenando la Armada. Conversaciones en La Rábida, entre Colón, Fray Juan Pérez, y esta vez, también con el físico García-Fernández y Martín Alonso Pinzón. Como colofón: Inicio de la Aventura en la madrugada del tres de agosto, tras la Misa y plegarias ante la Virgen marinera, Nuestra Señora de los Milagros.
“El acontecimiento más importante, después del Nacimiento de Cristo”, dejó escrito el historiador López de Gómara. “Santuario de la Hispanidad”, tituló Vázquez Díaz uno de sus lienzos, en que reproduce la silueta del mismo. En el mudéjar de su claustro conventual, se hunden las raíces de lo hispánico. Llegar al Monasterio de La Rábida, es para un hispanohablante, acercarse a la cuna y manantial de una de las culturas más importantes y de mayor futuro. Entre estas paredes se pueden encontrar las raíces de los Pueblos Hispánicos, pero además, su pila bautismal.
El primer impulso cristiano llegó a América con los descubridores. Con el espíritu franciscano se visita este verdadero Monumento Histórico, donde uno puede rezar en medio de la belleza de la iglesia conventual. Nos sorprendieron el magistral “Poema del Descubrimiento “de Vázquez Díaz; la “Galería de los Protagonistas “de Juan Manuel Núñez, y el claustro Mudéjar. La Rábida nos cautivó. Sobre todo por la impresionante atmósfera de Paz y Bien, que aún hoy es posible respirar en los Conventos Franciscanos como éste.
El Monasterio de la Rábida se alza sobre un “Cabezo” o alcor en la confluencia misma del Tinto-Odiel. Desde aquí, fundidas sus aguas, en el llamado Canal del Padre Santo, rendirán cauce en “la Mar Océana”, tras doblar la Barra de Saltés. Eran las “ocho de la mañana” de aquel memorable tres de agosto, anota Colón en su diario, cuando la flotilla descubridora alcanza este punto. En realidad, en aquel momento empezaba la gran aventura. El emplazamiento es ciertamente emblemático.

En una de las salas se exhiben una serie de cerámicas encontradas en el lugar, que atestiguan el paso de fenicios, romanos, almohades y visigodos. De la arquitectura anterior, queda la que sirve hoy de puerta reglar, (antigua entrada a la “Rábita” musulmana), el muro norte de la iglesia y la capilla donde hoy se venera a la Imagen de Santa María de la Rábida de los Milagros. La Leyenda es abundante, minuciosa y variada, incluso alcanza a la presencia misma de los franciscanos. Es interesante puntualizar, que en la Isla de Saltés, que hasta 1835 perteneció al Monasterio, pudo situarse la mítica Tartesos.
El establecimiento de la Orden Franciscana en La Rábida, históricamente, data de principios del siglo XV. De 1412 es la Bula de Benedicto XIII, que nos habla ya de la Iglesia y el Convento. Este dato y la arquitectura, nos llevan a situar su fundación en torno a esta fecha. Dentro de la Historia de la Orden, pertenece a la Reforma y, en ésta, a los llamados eremitorios. Los Franciscanos han sido, además de fundadores, únicos habitantes, con el sólo paréntesis, que va desde la Exclaustración a 1920, en que se produce el regreso de una comunidad, ejecutando el Decreto de devolución a la Orden Franciscana, firmado por la regente María Cristina, el doce de Octubre de 1892, a propuesta del Cánovas.
Este pequeño Convento Franciscano es el icono indiscutible de uno de los acontecimientos más trascendentales de la Humanidad. Aquí se forjó el hecho más relevante del segundo milenio de la Era Cristiana: el descubrimiento y cristianización de las Américas. Un episodio que marcará un antes y un después en la Historia. Dentro de sus muros, la perfecta sintonía de ideas entre Colón, Fr. Antonio de Marchena y Fr. Juan Pérez, hizo posible una de las epopeyas más transcendentales de la Humanidad.

El Monasterio de la Rábida no es importante por la grandiosidad de su arquitectura, ni su rico patrimonio artístico. Se trata nada más que de un pequeño convento de la Reforma Franciscana de principios del S. XV. Es sin embargo, uno de los más significativos monumentos históricos. Fue declarado primer monumento histórico de los pueblos hispánicos. El tercero, en España, que mereció la declaración de Monumento Nacional, en 1856. Y pocos, con más merecimientos que éste, para ser declarado Patrimonio de la Humanidad.
Su arquitectura hoy, produce desconcierto al visitante que llega. La estampa, bella, por andaluza y franciscana, de su blanca fachada, evoca más bien una construcción de siglo XVIII. El recorrido por sus interiores, nos conduce por una amalgama de estilos y épocas, que requieren una explicación. Esta es sencilla: el terremoto de Lisboa en 1755, que resultaría devastador en toda la Andalucía Occidental. De la construcción original, conocida por Colón, quedan en pie: los arcos de entrada en la Portería, muros de la Iglesia, Capillas y el Claustro Mudéjar bajo. Este último, verdadera joya del mudéjar popular o franciscano, marca la pauta para imaginar el conjunto de la época del descubrimiento.
En realidad, aunque en escritos antiguos se denomine “Monasterio”, su nomenclatura dentro de la Orden Franciscana es de Convento y, en la Reforma, a la que pertenecía: “Eremitorio”. A la historia ha pasado con el de Monasterio, con el que hoy se conoce. Sus dos mil metros de planta, se dividen en tres partes: Iglesia, Claustro de la Hospedería y Claustro de la Comunidad. En este último, que corresponde al Mudéjar actual se aposentaba una comunidad de doce frailes, en memoria de los doce Apóstoles de Cristo. El primero, o de la Hospedería, servía para recibir, tanto a marineros en apuros, como a las gentes del contorno que se acogían dentro de sus muros a ” Derecho de Sagrado “, ante incursiones de piratas o sarracenos.
Recorrido por el Monasterio:
Claustro de las Flores o de la Hospedería.

La arquitectura actual responde a la reconstrucción de finales del siglo XVIII, después de los estragos del seísmo. Era el espacio dedicado a la acogida de marineros en apuros. Lugar por tanto donde habitaría Colón en sus diversas etapas de estancia en el mismo, así como de su hijo Diego, el “Niñico” que aquí dejó al cuidado de los frailes desde 1485 hasta 1491. En la actualidad, se puede admirar la Galería de los Protagonistas del pintor Juan Manuel Núñez Báñez. En una técnica totalmente novedosa, donde se mezcla pintura y escultura, se presentan los personajes y escenas más determinantes de la Epopeya Descubridora. Al lado, en pequeños recuadros, se puede leer la transcripción del documento sobre el que se ha reproducido la escena.

El Templo Conventual.

La puerta reglar por la que se accede, es posiblemente la de entrada al “Ribat” o “Rábita” almohade, sobre cuyos restos, a finales del siglo XIV, se levantó el pequeño convento franciscano. La arquitectura de la iglesia responde a los moldes imperantes, tras la Reconquista. Gótico-mudéjar la capilla mayor, y artesa, típicamente mudéjar, en la Nave. El artesonado fue reconstruido en el siglo XIX. Se admiran en los muros restos de una decoración al fresco, que datan del siglo XV. Preside la impresionante talla del Cristo de los Remedios, de mediados del siglo XIV, comienzos del gótico. Las Capillas del muro norte, datan del siglo XVII, igual que su azulejería. En la de la izquierda, se puede admirar la bellísima talla de la Inmaculada, probablemente de la gubia de Duque Comejo. En la siguiente se encuentra una talla de San Francisco de Asís, de escuela granadina, del siglo XVII. Decoran el templo diez hermosos lienzos con escenas de la vida de San Francisco de Asís, obra de Juan de Dios Fernández, director de la escuela de Bellas Artes de Sevilla en 1793, época en la que pintó estos lienzos, de la escuela de Murillo.

Capilla de Santa María de La Rábida, Ntra. Sra. de los Milagros.
La arquitectura responde al bajo de una torre almohade del “Ribat’. Se incorpora en el siglo XIX como capilla del templo. La Imagen de la Virgen es una talla en alabastro. Puede datarse a finales del siglo XIII. Se cuenta que Colón rezaba frente a ella. Responde al gótico borgoñón. Posiblemente se trata de una “imagen batalla”. Es la única coronada por un Papa de cuantas se veneran en España (14 de Junio de 1.993). “Vengo a darte gracias por los cinco siglos de cristianismo en América, que partió de tus plantas…” Con estas palabras la invocó Juan Pablo II. Orfebrería y pintura mural son del siglo XX. De Marmolejo y Seco, la primera y de Juan Manuel Núñez, la segunda.
Claustro Mudéjar o de la Clausura.

Deliciosa estampa del mudéjar popular o franciscano. Permaneció en pie tras el maremoto. Sirve para hacernos idea de cómo era todo el conjunto antes del seísmo. Como corresponde a esta versión del mudéjar popular, los muros se decoraron al fresco, sin duda más al alcance que la cerámica vidriada. En este patio firmó la Regente María Cristina el 12 de Octubre de 1892, el decreto de creación del doce de octubre como Fiesta Nacional.
Salita de Conferencias.
Llamada el Belén de América, probablemente fue el lugar de las conversaciones entre Colón y Fray Juan Pérez, en « puridad ». En estas revelaciones del genovés al antiguo Contador Real, se gestó La Gran Aventura.
Refectorio Conventual.
Tal como está, es una recreación ambiental del arquitecto Feducci de mediados del siglo XX. Frente a la entrada vemos un púlpito desde donde se leía durante las comidas. Un Cristo del siglo XIV preside la estancia y varios cuadros completan la decoración.

Celda del Padre Marchena.

En estas dos salitas se puede contemplar la impresionante figura del Descubridor en el cuadro del siglo XVIII de escuela francesa, mostrando a sus hombres la tierra que buscaban. En la siguiente, uno se impresiona con los facsímiles del Testamento y Codicilo de Isabel la Católica, así como diez documentos colombinos del Archivo de Simancas.
Sala Capitular.
Es el escenario probable de las llamadas “Conversaciones de La Rábida”, donde Fray Juan Pérez convocó al Monasterio a los líderes de Palos, principalmente a los Pinzón y al Físico, para vencer la resistencia de la gente, que no se fiaba de Colón, “porque no había acreditado ser nadie”. En este encuentro quedó resuelto el último escollo encontrado por el genovés para iniciar su Aventura.
Galería de las Carabelas.
Aquí se encuentran las maquetas de las tres naves, en versión de una de las más fiables investigaciones de arqueología naval. La Nao Santa María y las carabelas Pinta y Niña. Se puede contemplar también una serie de lienzos de gran formato (la colección suma dieciocho). Se hallan repartidos por la Iglesia, refectorio y en esta galería. Componen la vida de San Francisco de Asís, fundador de los franciscanos. Los firmó Juan de Dios Fernández. Responden a las postrimerías de la Escuela de Murillo, a finales del siglo XVIII. En la galería sur, cuelgan cuatro lienzos firmados por Cabral Bejarano, con escenas de Colón en el Monasterio. También uno de gran formato, firmado por José María R. Losada, siglo XIX, con la muerte de Colón en Valladolid.

Sala de los documentos.

Los restos arqueológicos encontrados en el entorno hablan del paso de pueblos y culturas por estos parajes a través de la Historia. Se muestra una espada perteneciente a Gonzalo Sandoval, capitán de Hernán Cortés, muerto en el Monasterio y enterrado en la Iglesia. Facsímiles, con todas las variantes de las firmas de Colón, en los documentos del Archivo de la Corona de Aragón. Igualmente, del mismo archivo: el traslado de las Capitulaciones, credenciales y salvoconductos reales.

La Sala de Banderas.

Se pueden ver en vitrinas las banderas de todos los países americanos y de Filipinas. Al pie de ellas se encuentran cofres con tierra de cada país. La bandera e Cuba se encuentra al lado de la de España. Se puede leer: “El descubrimiento de América, el acontecimiento más importante en la Historia de la Humanidad, después del nacimiento de Cristo” López de Cámara.

“Siete años anduve penando por Castilla… de nadie halle favor, después de aquel del Dios Eterno, que de Fray Antonio de Marchena” Cristóbal Colón. (Memoriales de agravios).

En esta sala figura una reproducción del mapa que pintó Juan de la Cosa en el año 1500. El original se encuentra en el Museo Naval de Madrid.
Al salir del Monasterio, nos sentamos un buen rato a reflexionar sobre todo lo que habíamos visto, en un banco a la sombra de un ciprés del bello parque forestal que rodea al Monasterio. Después nos dirigimos hacia el Muelle de las Carabelas. Pero sobre ello te contaré en mi próxima crónica.
Un gran abrazo desde esta Vieja Europa llena de historia, te quiere siempre,
Félix José Hernández.

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11. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/  Crónicas

MARTA MINUJÍN . El pago de la deuda externa argentina con maíz, ‘el oro latinoamericano’ , 1985-2012. Seis fotografías color de una foto-performance de 12 tomas. Cortesía de la artista y de Henrique Faria Fine Art, Nueva York.

Cubamatinal/ Sevilla, 21 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presenta la exposición “La idea de América Latina” que, comisariada por Berta Sichel y Juan Antonio Álvarez Reyes, presenta vídeos, dibujos, instalaciones, pintura mural, escultura y fotografía de dieciséis artistas españoles y de Latinoamérica. Esta muestra forma parte de la sesión expositiva titulada “Acumulaciones de memoria”.

Titulada como el libro de Walter D. Mignolo, La idea de América Latina es una exposición que busca indagar en un concepto geográfico y mental basado en la expansión colonial europea a partir de las ideas vertidas en ese ensayo. La razón principal de organizar esta muestra parte del lugar desde donde pensamos el proyecto expositivo, tanto desde el Monasterio de la Cartuja -donde estuvo enterrado Cristóbal Colón y desde donde preparó su segundo viaje a América-, como desde Sevilla -una ciudad fundamental en el inicio del colonialismo europeo de la Edad Moderna y que estableció fuertes vínculos de dominación comercial y cultural con ese “nuevo continente”-.

El viaje como forma de unión y conocimiento, el pasado precolonial revisitado y reinterpretado, las reacciones frente a colonialismos más recientes procedentes del Norte y la concepción del continente entero y su partición en dos como resultado de las diferentes herencias imperiales europeas, son algunas de las motivaciones que los artistas reunidos en este proyecto han desarrollado. Si Mignolo intenta “reescribir la historia desde otra lógica, otro lenguaje y otro marco de pensamiento”, esta exposición procura seguir los pasos y las obras de algunos de los artistas de distintos países y generaciones que desde los años 70 del siglo XX y hasta nuestros días han tenido preocupaciones relacionadas a las del ensayista. Por este motivo, el mapa como representación de un territorio tanto mental como político, económico y sentimental es el punto de partida de una muestra que, en su reverso, implica también “comprender cómo nació Occidente y cómo se fundó el orden mundial moderno”, puesto que la herida colonial señala las ausencias con las que se ha narrado la historia.

LA IDEA DE AMÉRICA LATINA. Artistas: Michel Auder, Milena Bonilla, Adriana Bustos, Mariana Castillo Deball, Raimond Chaves y Gilda Mantilla, Chema Cobo, Minerva Cuevas, Juan Downey, Anna Bella Geiger, Federico Guzmán, Alfredo Jaar, Leandro Katz, Marta Minujín, Miguel Ángel Rojas, Joaquín Torres García. Comisaria: Berta Sichel y Juan Antonio Álvarez Reyes. Del 19 de abril al 24 de junio de 2012. Producción: Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.

Un gran abrazo desde la bella capital andaluza,

Félix José Hernández.

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10. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas de Historia museable

Cubamatinal/ Cádiz, 19 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

1812 El poder de la palabra. Los diputados americanos en las Cortes de Cádiz , organizada por Acción Cultural Española y el Consorcio para la Conmemoración del II Centenario de la Constitución de 1812, recuerda la existencia de una propuesta parlamentaria, constitucional y liberal, que planteaba, en ambas orillas del Atlántico, establecer un sistema de Commonwealth , ochenta años antes que el modelo inglés, que uniera bajo una misma Monarquía -pero también bajo una misma Constitución-, los territorios peninsulares y americanos. La exposición -que cuenta con la colaboración del Museo de Cádiz de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y el patrocinio de la Fundación AXA- da a conocer unos hechos que quedaron velados tras la reacción absolutista de Fernando VII y las independencias de los territorios americanos.
Manuel Chust, catedrático de la Universidad Jaume I de Castellón, es el comisario de esta exposición, que ofrece un recorrido por la historia de ambos hemisferios y explica que a lo largo de este complejo periodo hubo alternativas viables -desde el punto de vista constitucional y parlamentario- a las insurgentes. Esta propuesta singular del liberalismo hispano no sólo se gestó en Cádiz, sino que tenía tras de sí décadas de reivindicaciones de una gran parte del criollismo en América, que demandaba, entre otras cuestiones, el derecho a la representación política en la Monarquía.
1812 El poder de la palabra. Los diputados americanos en las Cortes de Cádiz da a conocer, explica y argumenta la importancia de la participación de los diputados americanos en las Cortes de Cádiz, sus propuestas, sus fines, sus apoyos en cada una de las provincias por las que venían comisionados, su importancia en muchos decretos clave de este periodo así como en las discusiones, propuestas y elaboración de notorios artículos constitucionales y en la propia Constitución misma.
También indaga en el conocimiento de estos personajes, en su pensamiento, en sus formas de vida tanto en América como en Cádiz, así como el impulso, en muchas ocasiones heroico, que les llevó a cruzar el Atlántico para llegar a las Cortes y exponer los motivos por los que sus compañeros, correligionarios y amigos en América estaban luchando, desde hacía, al menos, treinta años.
La Constitución de Cádiz de 1812 es el punto en el que confluye un cúmulo de acontecimientos históricos que tienen lugar a comienzos del siglo XIX y que a su vez dará luz a otras constituciones posteriores y a importantes cambios en el papel de la Monarquía.
En esta exposición, la Constitución de 1812 ocupa un lugar principal, el centro del espacio, al que el visitante puede llegar a través de diferentes caminos en los que se representan los acontecimientos históricos y los personajes más importantes del momento.
Alrededor de la Constitución se disponen los nueve apartados en los que Manuel Chust ha dividido la muestra:

1. La Monarquía española a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX

2. La crisis de la Monarquía, 1808–1810

3. El poder de la palabra: los diputados americanos

4. La revolución en las Cortes: decretos y discursos

5. Una Constitución para ambos hemisferios

6. La dimensión doceañista en América. La aplicación y sanción de los decretos y de la Constitución en América

7. Liberalismo gaditano e insurgencia

8. La reacción absolutista de Fernando VII

9. La trascendencia del liberalismo gaditano en los años veinte
En esta exposición cobra vida, de forma muy especial, el “poder de la palabra”, plasmado en un audiovisual que muestra diálogos entre once diputados gracias a cuyas palabras el visitante podrá conocer los temas que más interés suscitaron en el debate parlamentario.
Los diputados son: Dionisio Uchu Inca Yupanqui (Perú), José Mejía Lequerica, (Nueva Granada), Agustín Argüelles (Asturias), Ramón Power (Puerto Rico), Vicente Morales Duárez (Perú), José Joaquín Olmedo (Guayaquil), Florencio del Castillo (Costa Rica), José Miguel Guridi y Alcocer (Tlaxcala, Nueva España), Miguel Villagómez (León), Manuel García Herreros (Soria), Esteban Palacios (Caracas) y José María Queipo de Llano, conde de Toreno (Asturias). El audiovisual, producido por Estudio nueveojos, se completa con fragmentos de las diversas constituciones del siglo XIX.
La luz y el sonido contribuyen también a destacar el valor de la palabra pues se utilizan distintos volúmenes en las grabaciones para expresar discursos, debates en cortes, canciones o reuniones secretas.
La muestra también resalta la trascendencia que tuvo la Constitución de 1812 en los primeros textos constitucionales de las repúblicas americana a través de gráficos, mapas y fotografías. Además, se evidencia gráficamente cuáles fueron los puntos más importantes en cada una de ellas, con el fin de que el espectador, pueda hacerse una idea de los puntos históricos más importantes; y se realza el valor de las palabras usadas en ésta y en posteriores constituciones gracias a juegos gráficos e informáticos.
Con motivo de esta exposición Acción Cultural Española (AC/E), el Consorcio para la Conmemoración del II Centenario de la Constitución de 1812 y Lunwerg Editores con el patrocinio de la Fundación AXA, han publicado 1812. El poder de la palabra , que reúne estudios de una treintena de prestigiosos investigadores y docentes universitarios españoles, europeos, iberoamericanos y estadounidenses, especializados en el liberalismo doceañista en América.
El volumen, coordinado por Manuel Chust, ahonda en la trascendencia de los diputados americanos en las Cortes de Cádiz; detalla su participación en la elaboración de la Constitución y muestra la importancia para América de la Carta Magna y su legado en las Constituciones de las repúblicas hispanoamericanas.
Exposición 1812 El poder de la palabra. Los diputados americanos en las Cortes de Cádiz. Organizan Acción Cultural Española (AC/E), Consorcio para la Conmemoración del Bicentenario de la Constitución de 1812. Colabora: Museo de Cádiz. Consejería de Cultura. Junta de Andalucía. Patrocina: Fundación AXA. Comisario: Manuel Chust Calero. Dirección del Proyecto: Natalia Menéndez, Directora Creativa Enrique Bordes, Diseñador Museográfico. Coordinación Mercedes Serrano Marqués (AC/E). Producción Audiovisual Estudio nueveojos. Sede y fechas: Museo de Cádiz (Plaza Mina s/n). Del 19 de abril al 8 de julio de 2012.

Un gran abrazo desde nuestra querida España,
Félix José Hernández.

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9. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas de viajes

Tumba del gran Manuel de Falla en la Cripta de la Santa y Apostólica Iglesia Catedral de Cádiz.

Cubamatinal/ Cádiz, 1° de mayo de 2012.

Querida Ofelia:

Con el traslado de la Casa de Contratación de Sevilla a Cádiz en 1717, se produjo un gran desarrollo económico por lo que el Cabildo deseo construir una catedral acorde con el esplendor de la ciudad, ya que la existente, mandada a cons­truir por Alfonso X el Sabio sobre 1263, fue incendiada en1596 y se encontraba en muy mal estado después de varias reconstrucciones.

Las obras dieron comienzo en 1722 según proyecto del arquitecto Vicente Acero, el cual tras haber trabajado durante cinco años en la Catedral de Granada, deja ver en ésta la in­fluencia de la anterior y la de Guadix.

Acero dimitió y en 1739 se hizo cargo de las obras Gaspar Cayón, pasando en 1757 a su sobrino Torcuato Cayón. Tras la muerte de éste en 1783, le sucede Miguel Olivares hasta 1790, fecha en que las dirige Manuel Machuca. Finalmente desde1832 hasta 1838, en que se dan por finalizadas, las dirigió Juan Daura.

En todo este tiempo han transcurrido 116 años, a través de los cuales se ve el cambio de estilo y los gustos de los dis­tintos arquitectos. La Catedral se comienza en estilo barroco, como su planta y el interior hasta el friso rococó y es terminada en estilo neoclásico, en su fachada, torres, cúpulas y el se­gundo cuerpo del interior, así como la mayoría de los retablos y el altar mayor.

La fachada principal está realizada con mucho movi­miento a base de formas cóncavas y convexas. Posee tres pórticos. El central tiene dos cuerpos, de los cuales el primero posee cuatro columnas corintias de fuste profusamente decorado y columnas estriadas, el segundo cuerpo es un gran ventanal flanqueado por los Santos Patronos, San Germán y San Servando, del genovés Esteban Frucos realizados en el siglo XVII, que anterior­mente estuvieron en la Catedral Vieja. Todo ello está rematado por un gran arco abocinado con frontón triangular, y sobre él se sitúa una escultura del Divino Salvador realizada en mármol de Carrara por Esteban Frucos.

Las dos portadas laterales están rematadas por complejos frontones y flanqueadas por dos torres de planta octogonal con tres cuerpos; el primero almohadillado, el segundo con vanos entre pilastras y frontones y el tercero con columnas, cerrado con casquete semiesférico.

La fachada principal esta rematada con candelabros y tiene dos cuerpos; el primero está realizado en mármol y el segun­do en piedra caliza.

Las fachadas laterales son idénticas, en mármol y jaspe con las puertas de orden corintio, dedicadas una a San Germán y la otra a San Servando.

Las cubiertas son bóvedas vaídas con profusa decoración de orden clásico. El crucero, tiene una cúpula semiesférica sobre tambor, obra de Juan Daura, cuyo exterior es romo y está recubierta de cerámica amarilla y rodeada de imágenes de santos, atribuidas a discípulos de Cosme Velázquez.

El interior e s de planta de cruz latina, con tres naves separadas me­diante columnas corintias estriadas que sostienen un rico fri­so con decoración de rocallas y una compleja y movida corni­sa; todo este cuerpo está recubierto de mármoles. El segundo está dentro del orden clásico, de pilastras adosadas; este cuerpo, al igual que las cubiertas está realizado en piedra caliza.

De este interior destaca la amplia y compleja girola donde se utilizan bóvedas triangu­lares y cuadradas y las dieciséis capillas repartidas en las naves laterales.

La capilla de San Pedro posee un interesante retablo neoclásico en piedra y mármol; en la hornacina hay una imagen en mármol del titular de tamaño natural obra del genovés Esteban Frucos. Estuvo colocada en la portada de la antigua catedral. El retablo está rematado con frontón curvo y una pintura de San Pedro.
La capilla de San Pablo tiene un retablo neoclásico con la imagen de San Pablo realizada en mármol y de tamaño natural, obra de Esteban Frucos, realizada en 1672.
El Presbiterio   es de planta circular y en él se encuentra el altar mayor con forma de templete sustentado por columnas pareadas de estilo corintio, realizado en mármol de Carrara gris, jaspes rojos y capiteles en bronce, construido por Juan de la Vega según proyecto de Manuel Machuca. En el interior se encuentra el Sagrario, de estilo renacentista, ejecutado en bronce y plata por el tallista gaditano Juan Rosado a finales del siglo XIX y sobre él una imagen de la Inmaculada Concepción del siglo XVII atribuida a Francisco Villegas.

Los púlpitos son de estilo isabelino en bronce dorado obras de Juan de la Vega.

El Coro está situado en el segundo tramo de la nave central. La sillería, fechada en 1702, está realizada en maderas de cero y caoba y son obra de Agustín de Perea y sus hijos. Está compuesta por dos cuerpos: el primero con 40 asientos con espaldares altos separados por columnas salomónicas entre los que van tallas de santos y la parte superior tiene un gran entablamiento  saliente, sub dividido por medallones tallados con bustos de santos, todo ello rematado por una crestería de ángeles músicos. El segundo cuerpo está compuesto por 25 asientos, de un estilo más sencillo.
La Cripta se construyó entre 1722 y 1730 realizada en piedra ostionera. Contrasta el es­plendor del mármol de la parte superior con la sobriedad de este recinto. De auténtica obra maestra de arqui­tectura debe catalogarse la bóveda vaída de la rotonda central. Aquí demostró Vi­cente Acero sus amplios conocimientos de cantería y de resistencia de materiales. La cripta es el discurso de la piedra, donde destacan tam­bién los techos planos de las capillas. Al fondo se encuentra la Capilla de los Obispos, don-de descansan los prelados que han muerto en Cádiz desde la consagración de la Catedral Nueva. Preside el recinto el Cristo de Aguiniga, traído de América a principios del sigloXVII. Digno de reseña es la imagen de la Vir­gen del Rosario, en mármol italiano, obra de Alejandro Algardi. Se encuentran enterrados en la cripta dos ilustres gaditanos: el músico univer­sal Manuel de Falla, y el poeta José Marfa Pemán.
Visitamos el aledaño Museo de la Catedral, en donde pudimos admirar una valiosa colección de orfebrería, una cruz procesional obra de Enrique de Arfe, una custodia de plata de cinco metros de altura y sobre todo la fabulosa Custodia del Millón (1721), decorada con casi un millón de piedras preciosas. Sólo habíamos visto algo parecido en el Tesoro del Loreto, en Praga.
Como cada 1° de mayo, hoy he rezado por el alma de Joseíto Hernández, aquel primo mío que tú adoptaste y que desgraciadamente murió ahogado en el río de Camajuaní, adonde fue a nadar sin permiso, a causa de su inocencia infantil.
Regresamos a Sevilla con la mente repleta de bellos recuerdos de Cádiz.
Un gran abrazo desde nuestra querida España,
Félix José Hernández.

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8. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas culturales

Cubamatinal/ Madrid, 28 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

El Museo Reina Sofía presenta una de las exposiciones más esperadas de la temporada, la dedicada al artista audiovisual James Coleman (Irlanda, 1941). Comisariada por Manuel Borja-Villel, director del Museo, la muestra recoge una extensa visión de la obra de Coleman, convirtiéndose, no sólo en la más completa que se ha organizado hasta ahora, sino también en la primera gran retrospectiva que se realiza del artista.

La muestra está conformada por diecisiete obras e incluye, desde sus piezas iniciales, realizadas en Milán e Irlanda en los años setenta — nunca vistas hasta ahora— hasta obras de los años noventa, como Lapsus Exposure e I N I T I A L S, así como otras cruciales Fly, Box, Untitled: Philippe VACHER y Retake with Evidence (interpretada por el actor Harvey Keitel). Esta última pieza, que fue presentada en 2007 en la Documenta XII de Kassel, explora las relaciones temporales entre imagen y sujeto.

Asimismo, se muestra por primera vez al público una cuidada selección de documentos y archivos personales del artista. Las dimensiones de la Sala A1 del edificio Sabatini, otorgan a las piezas la amplitud de espacio que requieren. Además, las obras de Coleman se mostrarán en la Sala de Protocolo y en la de Bóvedas (antiguas carboneras del edificio Sabatini) con dos piezas que pertenecen a la colección del Museo, Clara and Dario (1975) y Box (ahhareturnabout) (1977).
El montaje se ha realizado con gran meticulosidad a la hora de situar las obras. Sin seguir una línea cronológica, las piezas audiovisuales con sonido se han colocado en un ala de la sala para no interferir con el resto. Para ello, se han aislado paredes y techo a través de paneles acústicos y moqueta con el fin de que el visitante quede totalmente aislado y sienta la sensación de hermetismo y concentración que se requiere. La intención de Coleman ha sido la de crear un recorrido fluido, donde el espectador pueda jugar con el espacio y experimentar en él a través de la proximidad o lejanía de las piezas. Llama la atención la amplitud (intencionada) que el artista ha dedicado a cada obra. El punto de vista desde donde se observe cada pieza será primordial para tener una apreciación u otra de cada instalación.
A lo largo de su trayectoria creativa, James Coleman ha abordado cuestiones relativas a la realidad, la percepción, la representación, la construcción de la imagen y la identidad. En sus obras, Coleman mezcla realidad y ficción, y, en ocasiones, éstas aluden a géneros literarios, al teatro, al folkore… Sus instalaciones se presentan como escenificaciones donde lo alegórico, lo metafórico y lo referencial tienen cabida y se interrelacionan. En algunos casos, estas escenificaciones remiten indirectamente a la pintura tradicional, a la fotografía de moda o a la cultura popular. El paso del tiempo, la memoria, el olvido y la degradación del hombre son algunos de los temas recurrentes en sus trabajos.
A principios de los setenta, Coleman empezó a dedicarse de lleno a la reproducción de imágenes —cine, video y fotografía—. Aunque a lo largo de los años ha seguido utilizando estos medios, la imagen proyectada en diapositivas se ha convertido en el formato preferido. En sus piezas, el sonido y la imagen se alternan: en ocasiones, el sonido en off acompaña a la imagen y, en otras, su ausencia otorga a la imagen de una mayor subjetividad.

A lo largo del recorrido por la exposición el visitante podrá disfrutar de las primeras películas realizadas por Coleman a finales de los 60. Se trata de Early Films, (1967- 1972) concebidas y filmadas en Milán e Irlanda, ponen de relieve el interés, ya desde una etapa temprana de Coleman, por lo “fotográfico” donde la imagen fija y en movimiento desempeñarían un papel esencial en su trayectoria artística. Influido por los cineastas neorrealistas italianos y la posterior nouvelle vague francesa, que filmaron gran parte de su obra con cámaras portátiles y ligeras como la Bolex, Coleman filmó sus primeras películas en 8 mm con esta cámara para pasar posteriormente al formato Super 8 mm.
Otra de las piezas clave en la trayectoria artística de Coleman es Clara and Dario (1975) (situada en la Sala de Protocolo), en la que el artista desarrolla el formato único que caracteriza sus trabajos posteriores: la proyección de diapositivas con voz en off grabada y sincronizada narrando una historia. La pieza se compone de una proyección de diapositivas, en bucle: “Clara”, a la izquierda, y “Dario”, a la derecha. Dos relatos se solapan en consonancia con el apoyo visual de las imágenes, se entrecruzan y pliegan uno sobre otro para sugerir cambios en el tiempo. El movimiento temporal que evoca este relato múltiple, implica al espectador, integrándose en la repetición cíclica de las secuencias donde el pasado, o su huella, reaparecen en el presente.
Una de las pocas obras de Coleman elaborado a partir de imágenes ya construidas es Box (ahhareturnabout) (1977). En este caso, el material documental se compone de secuencias de un legendario combate de boxeo: la revancha del campeonato mundial de pesos pesados, celebrado el 22 de septiembre de 1927 en Chicago, entre Gene Tunney y Jack Dempsey. Se percibe un latido regular y estruendoso que consta de dos componentes, un golpe y su reverberación. Con el latido, el pulso del propio cuerpo del visitante y el drama de las palabras que llegan a sus oídos, Coleman orquesta un vínculo entre el visitante y el aparato visual y acústico. La pieza, que está situada en la Sala de Bóvedas, tiene una acústica, según Coleman, perfecta.

Durante la estancia del artista en el MIT Project (Visual Arts Center) de Cambridge, MASS, realiza la pieza Charon (MIT Project) (1989), obra construida a través de episodios fotográficos. Frank Lubbers, en uno de los textos del catálogo, apunta que es un trabajo rico y complejo en la que se combinan diferentes aspectos de obras anteriores del artista: el problema de la percepción; la dimensión psicológica, social, cultural e histórica; los elementos dramáticos y teatrales; la búsqueda del yo y la imposibilidad de una identidad irrefutable.
Ligne de Foi (1989–1991) forma parte del conjunto de proyectos en los que Coleman trabajó a finales de los ochenta y principios de los noventa, donde reflexionaba sobre la figura del “artista de guerra”. Expuesta en su primera versión como instalación con proyección de diapositivas, Ligne de Foi se concibió para un lugar específico (Charleston, Carolina del Sur) y partía de un famoso grabado de Currier & Ives que retrataba la batalla First Battle of Manassas, durante la Guerra de Secesión, acaecida en esa ciudad, y que para muchos era un caso de notoria tergiversación histórica. El artista reconstruyó la escena con recreadores locales aficionados que simulaban la batalla. Coleman representó un tableau vivant que reflejaba con exactitud la composición del grabado decimonónico. Con esta pieza, el artista aborda cuestiones en torno a la historia, sus representaciones y traiciones en un nivel alegórico, permitiéndole reafirmar su deseo de deshabituar al público de la creencia establecida en una idea de visión “verdadera”.
Entre las obras presentes en la muestra, también destaca Untitled: Philippe VACHER (1990). La pieza fue producida en el quirófano de un hospital y muestra a un actor que se desploma sobre un carro quirúrgico (lleno de botellas e instrumental médico). El protagonista se endereza y se vuelve hacia la cámara. Aparte de la tenue vibración del proyector, no se oye nada. Aunque el espectador percibe que la acción transcurre en unos tres segundos, en realidad se desarrolla durante 17 minutos. El “fotograma fijo” es uno de los principales recursos utilizados en la pieza, cuya cámara no se mueve ni hace zoom durante toda la proyección. La gran ironía de la película de Coleman es la presencia de Vacher (actor de segunda fila y de publicidad) en una obra de arte y la “resultante discrepancia entre las naderías propias del mundo cultural de masas y la precisión analítica de las técnicas cinematográficas de Coleman, desarrolladas inicialmente por el cine estructural de Andy Warhol”, declara George Baker en el catálogo.
Continuando el recorrido, el visitante se encuentra con la pieza I N I T I A L S, (1993- 1994). El escenario está poblado por varios personajes sin determinar qué relaciones los vinculan entre sí. Podrían ser miembros de una familia, empleados del hospital o incluso pacientes; en cualquier caso, existe un desdoblamiento entre estos papeles potenciales. A medida que se pintan y rehabilitan las habitaciones del hospital, los ocupantes también se preparan, o “se visten”, para una ocasión especial, que puede ser la representación de una obra.

Sin embargo, con esta lectura se entrelaza otro relato paralelo, referido a la función anterior del hospital, lo que acentúa la sensación de que el pasado sigue acechando en el presente. Esta obra tendrá dos ciclos: el primero desde el 25 de abril al 18 de junio, y el segundo, desde el 20 de junio al 27 de agosto donde se proyectará Lapsus Exposure, (1992-94) Photograph, (1998-1999) consiste en la proyección de unas imágenes donde aparecen varios adolescentes ensayando una actuación escolar de una obra teatral o una danza. La proyección dura 21 minutos y consta de diapositivas y un relato narrado por una voz femenina joven con una dicción conmovedora. Al inicio se oye sólo una respiración, unos suspiros, para luego dar paso a un desarrollo paulatino de manchas blancas desdibujadas en la pantalla. Como en la pieza anterior, Photograh se exhibirá hasta el 18 de junio, y a partir del 20 de junio hasta el 27 de agosto, se proyectará Seeing for Oneself, (1987- 88)

Antes de finalizar el recorrido se ve la última obra realizada por el artista, Retake with evidence (2007). En ella Coleman explora los orígenes del pensamiento occidental en la Grecia antigua, a través de la mitología, la filosofía y las teorías de la estética. En un escenario casi desierto e iluminado dramáticamente, el actor Harvey Keitel rompe el silencio preguntando “Why are you here — blood of antiquity? What is the meaning of this gathering?” Durante 47 minutos, observamos cómo avanza lentamente por el espacio mientras recita un texto sobre la culpa y el poder, la insignificancia y el olvido, la retribución y la belleza. La declamación del texto que se acompaña (e interrumpe) por jadeos, sonoras exhalaciones, suspiros y pausas meditativas hace pensar que el actor se encuentra en un estado de “posperformance”, representando su(s) papel(es) al mismo tiempo que sopesa el significado de sus acciones y de las palabras que pronuncia.
James Coleman se formó en París, en el École des Beaux Arts y en Dublín (en el National College of Art and Design y en el University College). Más tarde, en la Accademia di Belle Arti, en Milán. Antes de trasladarse a esta ciudad, donde desarrolló su carrera artística durante veinte años, trabajó en Londres y en París. En 1973 participó en la Bienal de París y años más tarde en diferentes Documenta: IX (1992), X (1997), XI (2002), y XII (2007). Su obra se encuentra en colecciones importantes como la del Irish Museum of Modern Art de Dublín, el Museum Ludwig de Colonia, el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst de Gante, o en el Musée National d’Art Moderne de París. Recientemente, tres de sus trabajos se han incorporado a la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En la actualidad, Coleman vive y trabaja entre Dublín y París.
Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía ha editado un catálogo, en inglés y en castellano, donde se recoge cuatro textos escritos por prestigiosos historiadores de arte: Three early works by James Coleman de Rachel Haidu; Ghostly Medium: James Coleman’s Charon (MIT Project) escrito por Rebecca Comay y Michael Newman; ‘How Try Say” or the Experience for Seeing”, de Georges Didi-Huberman, y el último, James Coleman: Retake with Evidence, de Benjamin Buchloh. Además, el catálogo hace un recorrido exhaustivo por la trayectoria artística de Coleman. Cada una de las 49 obras que de él se recogen en la publicación, se acompaña de un texto cuyos autores son: Manuela Ammer, George Baker, Mieke Bal, Lynne Cooke, Jean Fisher, Luke Gibbons, Frank Gibbons, Kaja Silverman, Michael Tarantino y Dorothea von Hantelmann.
Un gran abrazo desde nuestra querida España,

Félix José Hernández.
EXPOSICIÓNJAMES COLEMAN . Del 24 de abril al 27 de agosto 2012. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisario Manuel Borja-Villel. Coordinación Rafael García

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7. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas Culturales

 Cubamatinal/ Madrid, 5 de mayo de 2012.

 Querida Ofelia:

El madrileño Círculo de Bellas Artes presenta la obra dirigida por la Compañía Tricicle Elsuperbarbero de Sevilla,una adaptación de la óperaIl barbiere di Sivigliade GioacchinoRossini, famoso compositor italiano que vivió y trabajó durante los siglos XVIII y XIX especialmente conocido por sus óperas bufas.

La ópera original,Il barbiere di Siviglia de Rossini se estrenó en 1816 en Roma y fue una de las primeras óperas italianas que se estrenó en Estados Unidos, en este caso, en Nueva York en 1825. Ha sido calificada como la ópera bufa por excelencia y se sigue representando en teatros de todo el mundo, el pasado mes de febrero en el Metropolitan Opera House de Nueva York.

El superbarbero de Sevillaque trae la Compañía Tricicle es una adaptación familiar y para niños a partir de 8 años, que alcanza una gran vitalidad y un ritmo incesante en una comediaque cuenta la historia de Fígaro. Fígaro, un barbero simpático, travieso, descarado y metomentodo que vive en Sevilla nos explica cómo hizo para burlar la vigilancia del viejo Bartolo y cómo logró que su patrón, el Conde de Almaviva y su amada, la joven Rosina, se pudieran encontrar y, finalmente, casarse.

Tricicle ya había hecho una primera aproximación aIl barbiere di Siviglia hace años, y ahora vuelve con una nueva versión llena de ingenio. Con este nuevo espectáculo que llega al Círculo de Bellas Artes buscan que todo espectador olvide sus problemas, rompa sus máscaras y se lance a reír con esos cuatrocientos músculos que dicen tienen que moverse para morirse de risa.

Triciclees una de las compañías de teatro gestual más conocidas de España. Fue fundada en Barcelona en 1979 por sus componentes: Joan Gracia, Carles Sans y Paco Mir. Empezaron con pequeños sketches en calles, café teatros y espacios alternativos, y en 1982 dieron el salto al circuito profesional en la Sala Villarroel de Barcelona con su espectáculoManicómicpor el que fueron premiados en el Festival Internacional de Sitges. Una aparición en el programa de televisiónUn, dos, tres les supuso un gran reconocimiento a nivel nacional y gracias a él debutaron en Madrid en la Sala Cadarso.

A Manicómicle seguirían nuevos espectáculos con los que consiguieron colgar el cartel de “no hay entradas” en varias ciudades: Exit(1984), con el que se hicieron un lugar en el panorama teatral europeo; Slastic(1986), que supuso su consolidación definitiva en España y Europa;Terrífic;Entretrés; la antologíaTricicle 20, en la que rememoraron sus sketches más aplaudidos;Sit, con la que obtuvieron un éxito sin precedentes de público y crítica;Garrick(2007) y en 2009 dirigen Spamalot en el Teatro Lope de Vega de Madrid.

También han dejado su huella en otros campos como series de televisión, dibujos animados, campañas de publicidad, adaptaciones de ópera, cine, producciones teatrales, radio e incluso en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona.

El humor es la base de todos sus espectáculos y después de 34 años trabajando juntos, Joan, Carles y Paco continúan con las mismas ganas de agradar al público, gracias a lo cual gozan de una solidez profesional encomiable.

Un gran abrazo desde la culta Madrid,

Félix José Hernández.

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6. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/  Testimonio

Don Roberto A. Solera

Cubamatinal/ París, 6 de mayo de 2012.

Mi querida Ofelia:

Mi gran amigo Roberto A. Solera me envió ayer desde la capital cubana del exilio, su testimonio donde explica por qué se apartó de la Iglesia católica cubana. Es un análisis muy interesante que deseo compartir  contigo y por medio de ti con nuestros amigos y parientes allá en San Cristóbal de La Habana.

“Primeramente aclaremos que no soy ejemplo a seguir ni modelo a imitar. Sólo soy un cubano de a pie –nunca me subí a ningún carro revolucionario en busca de prebendas ni ventajas económicas ni del oropel del éxito– y sí me sumé a lo que creía –mucho antes del triunfo revolucionario de enero de 1959 – seria la revolución traicionada por los intereses espurios en los años 30s.
No soy ni fui comunista ni seguidor del socialismo proclamado por el Partido Socialista Popular antes y durante la segunda revolución traicionada…o tal vez no sea la segunda y sí una más de las muchas que han aquejado a Cuba mucho antes de su inauguración como república en mayo de 1902.
Crecí en el catolicismo desde muy niño, aunque mi padre no era precisamente religioso y mi madre ni siquiera era católica y siguiendo sus raíces anglosajonas   fue bautizada dentro del protestantismo –aunque ya en mi infancia ella asistía a la iglesia católica, según sus palabras para evitarnos a sus hijos el estigma sufrido por ella de no ser católica en un país que sí lo era.
Choqué con la doctrina católica al ver como nosotros sus hijos, técnicamente, éramos considerados por ésta como “ilegítimos”  pues la Iglesia católica no reconocía el matrimonio   de mis padres pues se casaron en una iglesia protestante—Presbiterania– en Nueva York, donde vivían, lo que le permitió a mi padre, más tarde ya en los 40s, volver a contraer nuevas nupcias, tras su divorcio, nada menos que en la Catedral de Alajuela, Costa Rica, lugar de su nacimiento.
Fui miembro de la Congregación de San Estanislao de Kotska durante mi educación primaria y participé en múltiples Ejercicios Espirituales mientras estudiaba Bachillerato en Belén, en La Habana.
No obstante,   seguía asistiendo diariamente a misa, no sólo los domingos, mientras estuve estudiando en el Colegio de Belén, de los padres jesuítas en La Habana.
Tuve magníficos ejemplos de sacerdotes devotos a su Fé, como el Padre Daniel Baldor, S. J. Rector más de una vez del Colegio, con quien mantuve frecuente correspondencia hasta su muerte en Obra Manresa, en Santo Domingo, después de mi traumático choque con la estructura religiosa en la cual me había formado.
Mi desencanto tuvo mucho que ver de sentir que mi Iglesia no respondía como yo creía a los retos de una nueva situación en mi Patria y ver que se manifestaba contraria a un movimiento de justicia social, que en ese momento yo creía justo, no obstante los sangrientos excesos que sin duda se cometieron durante años de enfrentamiento ideológico y de tomar partido.
Ya en 1960 vi a la jerarquía católica utilizar –aún lo creo—la Fé de sus fieles con fines políticos donde mucho de lo mejor de nuestra joven sociedad se desangraba gritando “Viva Cristo Rey” –entre ellos Rogelio González Corzo, mi compañero de aulas en Belén y mi amigo, quien fue fusilado bajo un seudónimo –Harold Boves Castillo—y conocido en la clandestinidad como, “Francisco”, máximo dirigente del Movimiento de Recuperacion Revolucionaria magnífico individuo quien murió como un héroe, a mi juicio inutilmente. creyendo hasta el fin en la justicia de su causa.
He visto que la Iglesia tiene una dicotomía raigal, entre su poder económico y su misión espiritual, y que a menudo confunde   cuál es su verdadera y única misión: la espiritual. Sé que esa confusión no es reciente y es resultado de esa dualidad que tal vez nació dentro de los Estados Pontificios y su posterior Ciudad Vaticana.
La Iglesia estuvo adormilada y aplastada, prácticamente, hasta no hace mucho tiempo y rumiando su mala pata sin entender que ella misma había sido la culpable, no la única, de su ostracismo y su pérdida de influencia en la sociedad cubana. Todavía no acepta claramente que ha estado del lado equivocado más de una vez, como lo estuvo durante la lucha por la independencia, donde más respondió a sus intereses y raíces españolas que a su deber con los cubanos oprimidos por un despotico régimen que desangraba a Cuba como tierra conquistada.
Hoy anda por el mismo camino y se alía con un gobierno enemigo mortal de la libertad que se empecina en no ceder ni “un tantito así” como decía el difunto Ernesto “Ché” Guevara.
Sin duda la Iglesia cubana ha tenido representantes que merecen ser recordados por sus obras, como el Padre Lorenzo Spiralli, gestor no sólo de la Iglesia de San Agustín, en el Reparto Almendares, sino también de la de Santa Rita en Miramar y del Dispensario de San Lorenzo, en Buena Vista, sin olvidar la creación de la Universidad Católica de Villanueva.
Otros no tan gratos en el recuerdo como el padre Germán Lence que hizo causa con la revolución.
La jerarquía católica cubana ha sufrido la gesta de rumores sobre su moralidad en más de una ocasión aunque yo nunca vi en Belén nada denigrante ni criticable sino lo contrario.
Esos rumores surgen desde los tiempos de Manuel Cardenal Arteaga Betancourt y hoy se mencionan a sotto voce con el Cardenal   Jaime Lucas Ortega Alamino, quien a mi juicio –equivocadamente—apoya la tiranía imperante en Cuba. En su empresa no está sólo y. tras décadas de exilio hay quienes creen, unos desinteresadamente y otros mirándose a los bolsillos que el camino de una “fementida reconciliacion” rumbo a la democracia pasa por una colaboración inmoral con los traidores de hoy.
Yo, mísero mortal he perdido mi Fé. No sólo en la Iglesia que me educó sino también en una revolución que apoyé con todo mi corazón y además también en un futuro que no comparto para mi adorada patria, que digna de mejor suerte ya no existe, sino en el recuerdo.
¿Culpables? Yo, Ud. El, Nosotros, Vosotros, Ellos!
Todos somos culpables. Y los dos que se enzarsan en conversaciones semisecretas dizque para salvar a Cuba son los máximos responsables, ayer y hoy de su futura desgracia”.   Roberto A. Solera
Robert A. Solera natural de La Habana, Cuba. De raíces cubanas que se remontan al siglo XVII por parte de madre, que a su vez descendía de familia anglo-irlandesa. Descendiente de padre costarricense cuya rama familiar se remonta al siglo XVI. Estudió en el Colegio de Belén, de La Habana, Cuba, Primaria y Bachillerato. Cursó estudios en la Universidad de la Habana y luego exiliado, en la Universidad de Costa Rica, en el recinto “Rodrigo Facio”. Periodista retirado de medios de comunicación de Miami y en Cuba del periódico “Combate” del Directorio Revolucionario Estudiantil (DRE) ‘13 de Marzo’. Editor de Cubaenelmundo.com
Un gran abrazo desde Francia, donde hoy se vota para elegir el nuevo presidente que gobernará al país durante los próximos cinco años,
Félix José Hernández.

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5. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

No es voz que clama en el desierto (detalle). Reconstrucción actual a partir del original de 1990.

Cubamatinal/ Madrid, 5 de mayo de 2012 .

Querida Ofelia:

El Museo Reina Sofía ha organizado la primera retrospectiva que se realiza sobre el artista jienense Nacho Criado (Mengíbar, 1943 – Madrid, 2010), ganador del Premio Nacional de Artes Plásticas en 2009, tras su temprana desaparición un año después. Para este proyecto, el Museo ha destinado las dos sedes que tiene en el Parque del Retiro de Madrid (Palacio de Velázquez y Palacio de Cristal).

Bajo el título Agentes colaboradores, se presenta una completa antológica que engloba cuatro décadas de trabajo de un artista que, durante ese tiempo, utilizó una gran variedad de medios (instalación, escultura, fotografía, vídeo, arquitectura) para reflexionar acerca de conceptos como el tiempo y el devenir, el contraste entre la idea y la materia, el destino de la obra de arte dentro de una dialéctica de construcción y destrucción, o el sentido de la ruina y el desecho.

El Palacio de Velázquez ofrece una amplia visión de la trayectoria de Nacho Criado a través de 80 obras, entre las que se incluyen desde sus iniciales y sencillas producciones en madera, hasta sus monumentales y características esculturas de hierro y cristal. Además, en este espacio se mostrarán otras obras de diferente naturaleza, como fotografías, maquetas, dibujos o material audiovisual.

El Palacio de Cristal ha sido ya sede de la obra de este artista en dos ocasiones. La primera, en 1977, en la que Criado entraba en un juego paradójico entre los conceptos de autoría y anonimato, de naturaleza y arquitectura. En 1991, más de una década después, y con el título Piezas de agua y cristal, Nacho Criado presentó un nuevo conjunto de trabajos especialmente producidos para este Palacio. Ahora, Agentes colaboradores reproducirá esta segunda exposición de Criado en el mismo espacio que hace casi veinte años.

Los “agentes colaboradores” de Nacho Criado

El título de esta muestra hace referencia a la denominación que el propio Criado realizaba de aquellos “elementos naturales de acción lenta e imperceptible, como las termitas que atacan la madera, los hongos que se reproducen sobre superficies de cristal, los elementos atmosféricos, o el tiempo, en su sentido más literal y físico”, aclara Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía. El artista buscaba siempre la mínima incidencia del autor en la producción de su obra, un hecho que permitiría que estos “agentes colaboradores” fueran los encargados de completarla. De esta manera, sus piezas se mantendrían como un elemento vivo; finito como objeto, pero inacabado en cuanto obra de arte.

En muchas ocasiones estas piezas han sido definidas como “minimalistas”, pero el artista renunciaba a las etiquetas formales. “No son piezas minimalistas, son piezas procesuales –aclaraba Nacho Criado, en 2009, en una conversación con el galerista y comisario Miguel Copón grabada en la Universidad Politécnica de Valencia-. En la madera, que contiene partes afectadas por los termes, he seleccionado dichas superficies y he hecho una intervención mínima, no minimalista, sino más bien, diría yo, reduccionista, y más procedente de ámbitos como puede ser el arte constructivista. Con eso se llega a una síntesis formal, un poco extrema, donde he dejado ese residuo de la madera afectada por los termes, y he dejado que la pieza quede en un estado inerte durante años, para que los termes vayan configurando esas obras.”

La figura de Nacho Criado, como artista, difícilmente se puede adscribir a ningún movimiento o tendencia. De hecho, él mismo declaró, en diversas ocasiones, su voluntad de mantenerse al margen, de actuar desde una absoluta libertad de pensamiento y de creación. Para Manuel Borja-Villel, “Criado ocupa un espacio primordial en la definición y consolidación del temprano arte experimental español. Bebió de la reacción antimoderna y política del arte povera, como también de otras de las fuentes que representaron una reacción a la aporía expansiva del minimalismo”, comenta el director del Museo Reina Sofía.

El trabajo de este artista también forma parte de los fondos permanentes del Museo y varias de sus obras se han incluido en la reciente presentación del tercer tramo de la colección del Museo, De la revuelta a la posmodernidad (1962-1982).

El Palacio de Velázquez reúne una amplia selección retrospectiva del trabajo realizado por Nacho Criado durante cuatro décadas, a pesar de que, en cierta manera, este corpus de obras se resiste a ser leído de manera literalmente retrospectiva, pues se mantiene - tal y como pretendía el artista-, activo, en proceso. Es decir, muchas de estas piezas continúan evolucionando y en un estado constante de producción, debido a la acción de esos “agentes colaboradores”, característicos en la obra de este artista.

Las 80 obras que conforman esta parte de la exposición provienen de diversas fuentes: desde colecciones particulares, como la del propio artista, a obras pertenecientes a instituciones como el Centro Gallego de Arte Contemporáneo - CGAC, el Patio Herreriano de Valladolid o la Universidad de Jaén.

El recorrido expositivo se desarrolla en sentido contrario a las agujas del reloj y realiza una amplia revisión de la trayectoria de Criado, aunque sin seguir una progresión perfectamente cronológica.

Las primeras obras, realizadas entre 1966 y 1970, exploran las formas de inserción espacial de una escultura fuertemente reduccionista. En esa época, el artista comienza a trabajar también sobre la percepción del tiempo y, en concreto, sobre los aspectos de cambio, proceso, movimiento o duración. Maderas apolilladas o carcomidas, como en la obra YZ (1968); pintadas como las de la serie Luna (1969); o hierros flexibles, como los recreados en Excentricidad (1968), son los principales materiales utilizados por Criado en este periodo.

Tras su énfasis en los aspectos procesuales y mentales de la creación, puede rastrearse la influencia de Marcel Duchamp, la del escritor irlandés Samuel Beckett, y la de otros artistas -Rothko, Beuys, Yves Klein o el grupo ZAJ. A ellos ha dedicado, en lo que constituye una parte importante de su obra, numerosos homenajes. El primero de los que realizó fue Homenaje a Rothko (1970-1994): “El Rothko maduro al cual se refieren esas maderas y ejes dispuestos en escalera, de un color intenso y homogéneo, falsa escalera como si de puertas falsas se tratara […], sin obstáculos o barreras para acercarse, sin adornos ni protección, pretender y logra imponer solemnidad”, analiza Remo Guidieri, comisario de esta exposición.

Durante sus cuatro décadas de trabajo, Nacho Criado adoptó diversas técnicas, como la fotografía, en la que incide sobre la idea de “proceso en el tiempo”, como en la obra Escalera (Rastreo) (1971-2009) o la dedicada al grupo de arte experimental español, Zaj, con el que el artista tuvo relación: Excavación Zaj (1972), que se pueden ver en el Palacio de Velázquez.

La exposición incluye una de las obras procesuales más relevantes de Criado: In/digestión (1973-1976), en la que el artista expone una revista de La Gazeta del Arte a la acción devoradora de sus “agentes colaboradores” (en este caso, polillas). Junto a esta pieza, se presenta la instalación Prèt-à-porter (MaDe in…) (1976-2012), creada en torno a la figura de Marcel Duchamp: en una vitrina se expone, por separado, una serie de elementos dedicados a “aquellos que para sustentarse o sustentar su ideario han atacado a Duchamp de mala manera” y que el artista introdujo, en su momento, en una maleta señalizada “Para defensa de Marcel Duchamp”, la cual también estará en el Palacio de Velázquez.

El cuerpo y la naturaleza son elementos importantes en sus obras a principios de los años setenta, entre las que destacan sus performances, documentadas mediante fotografías y filmaciones, como es el caso de la serie Cuerpo de acción (1974): Blanca (Despellejamiento) y Blanca (Blanca y Javier comiendo manzanas). Ambas se pueden ver en la exposición junto a otra de sus filmaciones: In the corner (Jim y Reyes) (1977).

La obra Paisajes endémicos (1992), una pieza de técnica mixta que reza “Nada que apoyar. Nada que soportar. Nada que objetar”, y la instalación homónima realizada en hierro (1997-2003) sirven de nexo, en el discurso expositivo del Palacio de Velázquez, entre la sala central y la anterior.

Bajo la bóveda central del Palacio, se muestra la obra No es la voz que clama en el desierto, creada en 1990 y cuya reconstrucción, producida a partir del original que desapareció hace unos años, es la que ahora aquí se presenta. Realizada en hierro y cristal, el título de esta instalación se vincula a otro de los intereses de Criado: la tensión entre discurso y silencio, entre destrucción y construcción, una indagación sobre el destino de toda obra humana, que contiene dentro de sí el germen de su destrucción. El Palacio de Velázquez también acoge otras grandes instalaciones, como Zócalo (2003) y En ausencia de incógnitas (1995).

Nacho Criado combinó su faceta artística con trabajos más relacionados con el mundo de la arquitectura. Entre los diseños y maquetas que se exponen, destaca el proyecto diseñado para la Bienal de Venecia de 1978, Intersección (1975).

Durante la década de los noventa, la producción de Nacho Criado se centra en materiales como el hierro y el cristal, como la obra LSD (1990-1995). Entre los trabajos que realizó a finales de los noventa destacan la instalación de gran formato De trampas y mentiras (1999) y la obra dedicada al músico Glenn Gould y al escritor Samuel Beckett, Entre la partida y la llegada la única aventura posible es el naufragio (1997). Por último, se muestra la serie A partir de Mathias Grünewald (2008), otra figura influyente en el trabajo del artista.

Un gran abrazo desde nuestra querida España,

Félix José Hernández.

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2. Mayo 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Don Juan Carlos de Borbón en Botsuana durante su reciente safari.

Cubamatinal/ París, 27 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

El semanario francés de centro izquierda Le Nouvel Observateur , publicó un artículo firmado por el periodista Robert Kassous a propósito del reciente accidente ocurrido al rey de España durante un safari en África. Aquí te hice la traducción de una parte del mismo.

“Durante un safari en Botsuana, el Rey Juan Carlos, de 74 años, se fracturó la cadera el viernes, 13 de abril. Fue repatriado con urgencia a España para ser operado y colocarle una prótesis en el Hospital USP San José de Madrid. “La evolución del paciente es plenamente satisfactoria”, aseguraron los médicos el domingo, 15 de abril. Estas buenas noticias no logran   disipar algunas molestias causadas por este accidente.
Según los medios ibéricos, el rey fue a Botsuana a cazar elefantes. Un safari de este tipo es muy caro. Por lo menos 30.000 euros. El diario español El Mundo publicó una foto de Juan Carlos en el año 2006   en Botsuana, pistola en mano, ante el cadáver de un paquidermo.
Es una foto que provoca malestar en el momento en que España aplica un plan de austeridad sin precedentes. “El espectáculo de un monarca cazando   elefantes en África, mientras que la crisis económica en nuestro país causa tantos problemas para los españoles   es  una imagen de   indiferencia y   frivolidad que el rey nunca debe dar”, se puede leer en  El Mundo.
Hace cuatro meses, Juan Carlos había pedido a los funcionarios públicos mostrar   “rigor, seriedad y ejemplaridad”. Al parecer, el viaje al extranjero del soberano no está sujeto a las mismas reglas: ninguna declaración oficial se ha publicado en dirección   del gobierno, del Parlamento, o de   la opinión pública con motivo de las aventuras reales.

La monarquía acumula errores últimamente. El yerno del rey, Iñaki Urdangarín, está implicado en un caso de corrupción. Del mismo modo, el nieto del rey, Felipe Juan Froilán de Todos los Santos de Borbón y de Marichalar, de sólo trece años de edad, se lesionó el pie derecho durante un entrenamiento de tiro, una práctica totalmente prohibida para los menores de 14 años en España …

A pesar de que este safari no estuvo a cargo del contribuyente, las aventuras reales, en momentos en que los españoles deben apretarse el cinturón, son difíciles de comprender.”

También pude leer el artículo publicado en el célebre periódico italiano de centro derecha Il Corriere della Sera, firmado por el periodista Aldo Grasso, sobre el mismo acontecimiento. Sin embargo en éste último el tono es muy diferente, lo podrás constatar al leer mi traducción de algunos fragmentos.

Su título es: “El safari de Juan Carlos, rey de mil   aventuras.

Mientras que España corre el riesgo de bancarrota a causa de la crisis económica, el paro   es el más alto de Europa (más del   50% de desempleo entre los jóvenes) y el gobierno de Rajoy   se ve obligado hasta a ahorrar los bolígrafos   en los ministerios, el rey Juan Carlos de Borbón se va a la caza de elefantes en Botsuana.

 
A la improcedencia del acto, se añade la afrenta   de una foto en la que el soberano fusil en mano, está   frente al elefante muerto. Pero durante el   safari   el rey se rompió la cadera y se supo todo.
La cacería   fue organizada por su amante, la princesa alemana Corinna zu Sayn-Wittgenstein, de cuarenta y seis años, divorciada y madre de dos hijos, verdadera apasionada por la realeza, los regalos y las regatas

Su Majestad Católica es presidente de honor de WWF España, entre cuyos estatutos está el de   proteger a los animales en peligro de extinción. Hay muchas súbditos ahora que le piden   que abdique   al trono de sus más de cien   reinos: rey de Castilla, rey de León, rey de Aragón,   rey de las Dos Sicilias, rey de Jerusalén …

El hombre es un cazador, se sabe, y también que se divierte. Parece haber tenido más de mil quinientas los amantes y uno puede imaginar   el esfuerzo del escudero al   anunciar a cada vez: “El rey está desnudo, el rey está desnudo …”.

 
En el libro de Pilar Eyre La Soledad de la Reina , junto al retrato de la triste soberana, la esposa engañada y traicionada, se extiende   la larga lista de las cortesanas.

Pobre Sofía de Grecia, había sido advertida. Pero ella   se había enamorado perdidamente. Ahora sufre en silencio”  .

Según el periódico español El País, Juan Carlos; que  lleva 36 años reinando declaró al pueblo español: “Lo siento mucho, me he equivocado y no volverá a ocurrir”.

Siempre he admirado a Don Juan Carlos a causa del importantísimo papel que representó en la transición y el establecimiento de la democracia en España.
¡Qué lástima seria que todo se viniera abajo a causa de una foto y la torpeza de cazar un elefante en estos tiempos difíciles que corren no sólo para nuestra querida España!

Y así van las cosas por estos lares.
Un gran abrazo,

Félix José Hernández.

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30. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Cubamatinal/ París, 29 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

Ha sido un placer el más que leer, estudiar,   el libro de texto “El arte de escribir cuentos”, obra de Orestes A. Pérez.

En el Prefacio, el autor escribe:

“Elarte de escribir cuentosnace de la necesidad de concebir, en unsolo texto, toda la información didáctica sobre este género literario,y así poder ofrecer a profesores y estudiantes de literatura españolaun manual conciso, teórico y práctico, histórico y actual sobre lasdiversas formas de escribir cuentos, dándole rienda suelta al espí ritu creativo, de una forma ordenada y técnica.
He aquí, expuestos con claridad y exactitud, los conocimientosbásicos para cuantos acometen la tarea de escribir cuentos, así co­mo el estudio de la literatura en general.

Toda obra de arte y, en particular, las creaciones literarias,plantean problemas estéticos y de formas, que hay que considerara la hora de examinar su profundidad. Se provee al lector igual­mente de las nociones fundamentales desde el punto técnico sobre la confección del cuento como género literario. Pese a la brevedad del texto, creo que no falta nada esencial en el mismo.

La precisión de una idea va siempre acompañada de una pulcray elegante forma didáctica expositiva, mejorada con ejemplosy ejercicios para hacer de esta obra todo un manual de trabajo ex­celente, una herramienta extraordinariamente titil para todo aquel que desee incursionar en el mundo de la creatividad literaria engeneral y en el cuento en particular. Tal vez esta sea la razón fun­damental que justifica la excelente acogida de esta breve pero con­cisa obra.

Espero que este sencillo aporte a la cultura sea provechoso tantoa profesores como a jóvenes estudiantes, antorcha de futuras gene­raciones de escritores, así como para aquellos que de una forma u otra, son amantes de la literatura y la cultura en general”.

El autor hace gala de una gran maestría pedagógica por medio de la selección de textos de la literatura Grande (con mayúscula). Después de hacer una interesante reseña histórica literaria, nos permite deleitarnos con cuentos de: Raymond Quenau, Gustavo Adolfo Bécquer, Ramón del Valle Inclán, Washington Irving, Jorge Luis Borges, Horacio Quiroga, etc. Al final de cada   cuento aparece un pequeño cuestionario que invita a reflexionar y da pistas para que el estudiante aprenda a escribir cuentos.

Éste es el que acompaña al cuento de Quiroga:

1.        Escriba un breve párrafo que le dé fin a este cuento.

2.       Escriba un cuento corto basado en esta escena.Recuerde lo siguiente:

a) Utilice un título provisional o definitivo;

b) En el primer párrafo o introducción deje entrever el tema central del   cuento o relato;

c) En el segundo párrafo haga una breve descripción de la escena, ambiente o escenario, lugar, fecha, época, etc., donde se desarrolla el relato o            cuento.

3.            Sitúe a los dos personajes como protagonistas de la obra.

4.            Escriba dos o tres parlamentos para cada uno de ellos, con­ servando un lenguaje medio, con ilación lógica.

5.          Desarrolle la trama del cuento en primera o tercera persona.

Sobre este excelente libro, Pedro Pablo Santiesteban, de la Editorial Voces de Hoy escribió:

“Es por esas razones que se hacen necesarios libros como éste, dondeconformado por varios capítulos se despliega una meritoria enseñanza, que va desde la etimología de la palabra cuento, hasta el estilo y el arte de narrar, pasando por los elementos, estructura y análisis de este género, así como la importancia del clímax y del título.

Orestes hace un magistral compendio, que aporta valores incalculables a la enseñanza y al campo literario en general. Su pretensión se consolida en futuros resultados, que serán irrefutables y agradecidos por los nuevos talentos que se suman cada día al delicado oficio de contar”.

El último capítulo está dedicado a un examen final. Modestamente puedo confesar que estimo que lo aprobé. ¿Seré capaz de escribir ahora un cuento? Lo intentaré.

Orestes A. Pérez,periodista, escritory poeta, nació en Marianao, La Habana, Cuba, el 9 de noviembre de 1940. Se graduó   de Bachiller en Ciencias y Letras, y de laEscuela Nacional de Periodismo, ingresando posteriormente en la
Escuela de Filosofía y Letras de la Universidad de La Habana,graduándose de la misma. Sus poemas y cuentos han sido incluidos en importantes antologías internacionales. Ha recibido numerosos premios, menciones de honory varias condecoraciones en certámenes y concursos nacionalese internacionales. Ha publicado ocho poemarios y dos libros decuentos. Hace más de diez años fundó con otros periodistas, escritores y poetas, el Club Cultural de Miami Atenea.

A propósito de El arte de escribir cuentos , el autor escribió:

“He aquí, expuestos con claridad y exactitud los conocimientos básicos para cuantos acometen la tarea de escribir cuentos, así como el estudio de la literatura en general”.

Te lo haré llegar por la misma vía que te envié los tres anteriores del mismo autor, para que también los hagas circular entre los amigos. Es nuestra pequeña gota de agua contra la inmensidad de la censura del régimen.

Te quiere siempre,

Félix José Hernández.

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29. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/  Crónicas

Cubamatinal/ Madrid, 29 de abril de 2012.

Queria Ofelia :

Frontera Círculo, sello musical del CBA destinado a acoger proyectosorientados tanto al pop, como al rock, el folk o la electrónica de la manode grupos de cierta experiencia así como de formaciones noveles,emergentes o de carácter experimental, acoge en el mes de abril lapresentación en concierto del segundo álbum de Jimmy Barnatán,After the Blue time.

Su nuevo trabajo se presenta después de un camino tortuoso, el cantante destaca que “después de los tiempos tristes”, un sueño se ha hecho realidad con este disco. “Porque hacer Blues y Rithm & Blues en inglés, en un país como España, no suele ir acompañado de grandes éxitos ni puertas abiertas” añade el joven artista.

After the Blue Time se destapa como un disco cantado en inglés que desprende sonidos cercanos al soul, blues y sobre todo Rock & Roll.

Jimmy Barnatán, nacido en Madrid en 1981, se define como una persona muy activa. Más conocido hasta ahora como actor, su carrera profesional como cantante comenzó en el año 2009 con la publicación de su trabajoBlack Note, que le sirvió como tarjeta de presentación para dar una gira por toda España.

Como compositor y cantante, Jimmy empezó hace diez años, siempre influenciado por la música americana que le ha acompañado durante toda su vida. Sus gustos están ligados a discos de Lionel Hampton, Duke Ellington, Aretha Franklin o Elvis entre otros muchos artistas norteamericanos.

Su vida tiene acento inglés, donde el blues y el Rythm & Blues adquieren una relación muy cercana a él. Son sus rostros, sus melodías y sus canciones las que acompañan al artista en los tiempos tristes y en los felices a la hora de componer y que los que han influido enormemente en su segundo trabajo, que se presenta ahora en el Círculo de Bellas Artes.

Con gran cariño desde nuestra querida capital de España,

Félix José Hernández.

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28. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Cartel de propaganda nazi antisemita del filme “El judío Sus”

Cubamatinal/ Madrid, 20 de abril de 2012.

 Querida Ofelia:

Como ocurrió con todos los terrenos de la vida alemana, la imagen cinematográfica tampoco salió indemne de la experiencia nazi. El denominado Ministerio de Educación Popular y Propaganda fue creado por Hitler en 1933 y gobernado por Joseph Goebbels hasta el final del III Reich. Los medios y los propósitos que procuraron el ascenso al poder del partido nazi fueron sofisticándose en una maquinaria destinada a pervertir la opinión de los ciudadanos pulverizando la imagen de los numerosos individuos y grupos considerados como enemigos.

Si bien durante los años de ascenso del nazismo el antisemitismo no tuvo una gran presencia en la producción cinematográfica alemana, tras la toma de Polonia Hitler decidió realizar una trilogía de películas propagandísticas con las que desplegar sus planteamientos antihebraicos. Dos cintas de ficción -El judío Suss y Los Rostschild-y especialmente un documental de particular dureza,El judío eterno,en el que se desarrollan todas las teorías expuestas por los libelos antisemitas El judío internacional y Los protocolos de los Sabios de Sión, bases del futuro Mein Kampf escrito por el propio Hitler.

El Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes y el Centro Sefarad-Israel recuperan estas tres películas antisemitas producidas por el régimen nazi en 1940 y proyectadas en las salas de cine europeas hace más de setenta años. Una retrospectiva hacia los años del III Reich que nos recuerda los fatídicos acontecimientos que acaecieron hace más de siete décadas y que siguen formando parte de la oscura historia de la humanidad.

La proyección de cada una de ellas estará acompañada por una presentación explicativa. Además, tendrán lugar tres mesas redondas:El III Reich: la mirada del verdugo;El antisemitismo en los medios decomunicación de masa; y Hacia el cine nazi: del Expresionismo a la propaganda .

Los Rothschild (Die Rothschilds) (Erich Waschneck, Alemania, 1940, 97’, VOSE). Reparto: Carl Kuhlman, Herbert Hübner, Albert Florath: Primera de las tres películas antisemitas producidas por el régimen nazi en 1940, narra el ascenso al poder de la familia Rothschild en la Inglaterra de la lucha antinapoleónica como ejemplo del supuesto avance de la conspiración judía en pos del control del planeta. Ejemplo canónico de las teorías conspirativas, el eje deLos Rothschild lo conforma la supuesta demostración de la existencia de la “internacional judía” que de forma parasitaria absorbía las riquezas producidas por el trabajo ajeno. Es éste el espíritu de la película desde su primer plano (los títulos de crédito iniciales se proyectan sobre un fondo de monedas dorados) hasta el mismo cierre la película (una estrella de David dorada sobre una Europa imaginaria).

Se exhibe en el ciclo el remontaje de la película realizada por el director tras la entrada de Gran Bretaña en la II Guerra Mundial, en el que se purgan los breves apuntes de complicidad con la sociedad británica que mostraba la primera versión de la cinta.

El judío Süss (Jud Süb) (Veit Harlan, Alemania, 1940, 98’, VOSE). Reparto: Ferdinand Marian, Kristina Söderbaum, Heinrich George. Obra capital de la campaña antisemita iniciada por Joseph Goebbels en el cine alemán y un enorme éxito de taquilla en los países del Eje a principios de la década de los 40,El judío Süssnarra unos hechos supuestamente históricos en los que se sigue la carrera de Süss Oppenheimer, un judío que va ascendiendo escalones en la sociedad gracias a su alianza con el poder.

Süss, ambicioso y maligno, explotará a sus vasallos hasta que la población civil se rebele contra él. Dentro de las películas narrativas antisemitas supervisadas por el Ministerio de Propaganda nazi,El judío Süssfue la película de mayor éxito popular y crítico, refrendado por el León de Oro conseguido en el Festival de Venecia de 1940 que aplaudió sin ambajes los recursos tomados de los maestros del cine de montaje soviético y una cierta herencia del Expresionismo alemán.

La presencia deEl judío Süss en el cine europeo de la época fue de tal calibre que el director de la película, Veit Harlan, sería juzgado por crímenes contra la humanidad al concluir la II Guerra Mundial.

El judío eterno (Der ewige jude) (Fritz Hippler, Alemania, 1940, 65’, VOSE). Película documental de extrema crudeza en la que el III Reich desarrolla abiertamente las teorías antisemitas desplegadas en los libelos El judío internacional y Los protocolos de los Sabiosde Sión, los dos escritos que forman la base del libro-manifiesto del libro de Adolf Hitler Mein Kampf.

El judío eterno, proyecto cuidado con mimo por Joseph Goebbels y que, según algunos historiadores, fue supervisado en su montaje final por el propio Hitler, estaba destinada a ser pieza de entrada a una exposición itinerante homónima que contó con el apoyo de todos los líderes europeos que colaboraban con el Reich.

Tras el enorme éxito de taquilla deEl judíoSusstodas las salas de cine de Alemania se volcaron en la exhibición de la cinta: sólo en Berlín, setenta de ellas estrenaron la película, que llegó a la pantalla en una doble versión: una con el montaje íntegro de la película –la que se muestra en este ciclo-; otra, expurgada de las terribles escenas finales con imágenes del matadero de animales destinada al público infantil y femenino.

Las famosas escenas en las que se mostraba en paralelo a los judíos con manadas de ratas se convirtieron en auténticos iconos del cine nacional-socialista al ser empleadas repetidamente en todo tipo de noticiarios.

Sin embargo,El judío eterno resultó el gran fracaso cinematográfico del III Reich, dado que a la fría acogida que le ofreció el público se unieron los enormes problemas de distribución internacional del documental.

Organizado por el   CBA con la colaboración del Centro Sefarad-Israel. Dado el contenido de las películas que integran el ciclo, el acceso a las sesiones está restringido rigurosamente a mayores de 18 años.

Un gran abrazo desde la culta y tolerante capital española,

Félix José Hernández.

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22. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas viajeras

Nuestro barco visto desde el Great Stirrup Cay

Cubamatinal/ París, 1 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

Acabamos de llegar de la Misa de Ramos y como tengo aún que contarte con detalles el viaje que acabamos de hacer por nuestra querida Madre Patria: Sevilla, Cádiz, Jerez de la Frontera, Córdoba, La Rábida, Palos de la Frontera, Huelva y Moguer, a lo que se agrega que pronto nos iremos a la espléndida Italia como cada año, decidí contarte hoy nuestro Crucero por las Islas Bahamas que hicimos en agosto.

En el barco. De izquierda a derecha: Hugo, Marta, Félix José y Vivian. Sentada: Eva.

Partimos desde el puerto turístico de Miami. Amanecimos en Freeport Harbour de Grand Bahama, allí tomamos un taxi que nos llevó hasta un centro comercial, cuyas tiendas estaban ubicadas en casas de madera pintadas con todos los colores de la paleta de Renoir. Un mini “paraíso” de la sociedad de consumo. Algunas estaban decoradas con sirenas, delfines o el rey Neptuno de cemento pintados con colores que me recordaban las carrozas de las parrandas de mi terruño camajuanense de mi infancia. De allí fuimos a la cercanísima Lucayan Beach, la que estaba tan llena de personas autóctonas que parecía un hormiguero acuático. Tengo la impresión de que los que venían en el barco se quedaron en su mayor parte en el centro comercial.

Grand Bahama- que hoy cuenta con unos cuarenta mil habitantes-  estuvo cubierta por   bosques de pinos y habitada por los indios lucayos, los cuales murieron como consecuencia de la llegada de los europeos. Desde entonces y hasta el 1870 estuvo deshabitada, cuando se instalaron en ella los pescadores de esponjas. En 1930 se convirtió en zona de contrabando de alcohol rumbo a los EE.UU., país en el que   se aplicaba la célebre prohibición. La compañía forestal Abaco Lumber, acabó con los bosques en 1944.

En 1948 un estadounidense llamado Wallace Groves   compró la isla y comenzó a desarrollarla, hasta que la vendió en 1950 al gobierno del archipiélago.   Por medio del acuerdo Hawksbill Agreement de 1955 se creó el Free Port. Actualmente la empresa Grand Bahama Port Authority es la única que da licencias comerciales. Pudimos ver   el   impresionante casino del Lucaya Beach Hotel que se construyó en 1963 para dinamizar el turismo.

Al día siguiente llegamos al Great Stirrup Cay. Nos llevaron en lanchas del barco a la costa. Se trata de una isla con una playa sin nada de especial (donde pagué veinte dólares por el derecho a la sombrilla con dos tumbonas). Hay una gran sala sin paredes con largas mesas en las que los turistas según la famosa expresión cubana: “pueden comer hasta por los ojos”. Un gran buffet donde cada cual se puede servir hasta saciar el hambre más intensa, está a disposición de todos. Recordé la “Mesa Sueca” del piso veinticinco del Hotel Habana Libre (ex Hilton), en el que algunas personas llevaban a sus mesas platos con verdaderas pirámides de trozos de carne de cerdo. Gracias a Dios que en Cuba había todavía bicarbonato, para ayudar a digerir las cantidades monumentales de arroz con frijoles negros, yuca, carne de cerdo y postres que aquellos habaneros de los años ochenta lograban ingerir.

El enorme barco estaba pulcramente limpio; los empleados eran muy gentiles y siempre sonreían. Me llamó la atención de que un gran % fueran provenientes de países subdesarrollados asiáticos, ya que el barco pertenece a una compañía europea y opera a partir de Miami. ¿Cuál es la causa por la que entre los empleados no haya europeos o estadounidenses? Te la dejo imaginar. Cuando subes al barco, en la recepción te piden la tarjeta de crédito para descontarte una propina voluntariamente obligatoria, para « contribuir al salario de los empleados ».

Nos acompañaron nuestros grandes amigos Víctor, Tayde -su bella hija Vivian y su novio-, además de Hugo y Eva. Esto palió de buena manera la mediocridad absoluta que reinaba a bordo.

Eva Rodríguez de Castaño formó parte de mis más bellos recuerdos de infancia. Poco después de terminado nuestro viaje se enfermó gravemente y el Señor decidió llamarla junto a Él. Si se me preguntaran la definición de lo que es   un perfecto caballero, diría sin pensarlo dos veces: Hugo Castaño.

Me daba la impresión de que me encontraba viajando en un criadero de animales, puesto que por donde quiera que uno pasara: cafeterías, bares, restaurantes, piscina, sala de espectáculos mediocres, casino, tiendas, etc., siempre veías a gentes comiendo. Allí se comía las 24 horas del día. Me dio la impresión de que el objetivo principal de las personas que iban en el barco era… ¡comer!

Al alba llegamos a Nassau, la capital del archipiélago, situada en la isla de New Providence. Se puede recorrer a pie toda la parte interesante de la ciudad, pues se concentra en unas veinte manzanas- cuatro a lo largo del puerto turístico por cinco de profundidad-. Allí se concentran los tres siglos de historia de la ciudad desde la fundación por   los puritanos, pasando por los corsarios y los contrabandistas de alcohol, hasta el turismo de masa actual. Las casas de madera están pintadas de blanco, rosa o amarillo fundamentalmente.

El Gouvernement House con la estatua de Cristóbal Colón.

Se domina toda la ciudad desde el Gouvernement House (1932), en cuya escalinata se encuentra un curioso monumento a Cristóbal Colón donde aparece como un mosquetero. Durante la Segunda Guerra Mundial vivieron en él el ex rey de Gran Bretaña Edward VIII y su esposa estadounidense Wallis Simpson. Pudimos recorrer sus bellos jardines tropicales.

Visitamos el bellísimo Hotel Graycliff, de estilo colonial, posee una espectacular araña de Baccarat en su vestíbulo y un jardín con estupenda vegetación tropical. Entre las personalidades que se han hospedado en él se encuentran la duquesa de Windsor y el gran Winston Churchill.

Muy cerca se encuentra una especie arco de triunfo que es el Gregory Arch (1850). Antaño sirvió como puerta de entrada a Grands Town, uno de los barrios negros de la ciudad.

La Christ Church Cathedral (1840) es   anglicana y su arquitectura es   de estilo neogótico. En ella, como en casi todos los lugares de interés que visitamos, éramos   los únicos visitantes. Aparentemente los demás se quedaron en el barco o se fueron a Paradis Island o de compras por las calles de las tiendas paralelas al puerto.

Muy interesante fue la visita al Pompey Museum, dedicado a la historia   la esclavitud en las Bahamas. Fue construido en el siglo XVIII como mercado de esclavos.

Una cubana en el British Colonial Hilton.

Pasamos por Straw Market, donde hay todo tipo de objetos de paja y artesanías locales. Cerca de él se alza junto al mar el espléndido British Colonial Hilton, del cual recorrimos sus jardines y playa. Merendamos en su cafetería, la que posee un encanto colonial único. Este hotel es el reino del buen gusto hotelero, la antítesis del barco en el que realizábamos el crucero.

Paseamos por Woodes Rogers Walk- es el nombre de primer gobernador británico- hasta Rawson Square, donde se encuentra el busto de Milo   Butler (1906-1979), primer gobernador de Las Bahamas a partir de la Independencia conquistada en 1973.

En la bella Parliament Square se alza la estatua de la Reina Victoria, rodeada de la House of Assembly y la Supreme Court. En un pequeño parque se encuentra el monumento a los bahamenses que cayeron en el campo del honor junto a los británicos durante las dos primeras guerras mundiales.

Al final del jardín se encuentra la curiosa Nassau Public Library, en el inmueble que fuera cárcel en el siglo XVIII. Es una torre con una escalera circular que conduce a una sala central en cada uno de los tres pisos de donde parten diferentes pasillos llenos de estantes de libros en los que fueron celdas.

Terminamos el recorrido por Nassau en el Fort Fincastle, al cual se llega por una escalera tallada en la roca por los esclavos en 1790. Nunca hubo combates en esta fortaleza, por tal motivo sólo sirvió de faro hasta el 1817.

Desde la cafetería de la proa del barco- repleta de gente que seguía comiendo-, mientras partíamos al final de la tarde, se podían ver los gigantescos hoteles de Paradise Island. Esa isla está unida a Nassau por un puente.

¿Te acuerdas cuando íbamos a las playas de Los Ensenachos al norte de Caibarién? Tú me decías: “un poco más allá   del horizonte están Las Bahamas”. He tenido que esperar medio siglo para poder recorrer una parte de ellas. Desde el barco miraba al sur, hacia el horizonte y pensaba en tus palabras… Sí, un poco más allá del horizonte estaba no sólo Caibarién, sino también… ¡Toda mi infancia, adolescencia y juventud!

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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17. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas de la memoria histórica

Jesús Carreras

Cubamatinal/ París, 12 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

Te envío este interesante testimonio que acabo de recibir desde Miami de nuestro viejo amigo ex guerrillero del Escambray Miguel Delgado.

“Los comunistas y sus voceros incluyendo a Faure Chomón, orquestaron una campaña contra Jesús Carrera Zayas. Decían que era un asesino y que mató en el Escambray a cientos de personas. Por yo sé que eso era falso. Conocí a Jesús Carreras Zayas y a toda su familia: a sus padres y a sus hermanos Cuza, Margarita, Tomás, José y Teresita. Todos residían en Camajuaní, aunque habían nacido en Trinidad.   De esa familia Carreras Zayas: Cuza, Margarita y Jesús fueron fundadores del Movimiento 26 de Julio en la provincia de Las Villas.
Cuando Jesús Carreras era jefe del M. 26 de Julio en Fomento, ocurrió que los que estaban con él le hablaron de un individuo que quería vender cierta cantidad de dinamita y pedía cien pesos por unos cuantos cartuchos de ese explosivo. Carreras les entregó el dinero, pero el hombre que vendía la dinamita estaba de acuerdo con la Guardia Rural. El sujeto se quedó con los cien pesos y los soldados arrestaron a los revolucionarios. Casi inmediatamente condujeron a los mismos a las afueras del pueblo donde los mataron a tiros. Como no permitieron que nadie recogiera aquellos cuerpos, las auras se comieron parte de los cadáveres. Al chivato, los guardias le pusieron una pareja de soldados para protegerlo.
Jesús no quiso esperar a que se marcharan aquellos soldados que cuidaban al campesino, fue allá y se fajó a tiros con ellos y a pesar de que lo hirieron en el pecho con un disparo de Sprinfield de entrada y salida, le dio muerte al chivato responsable del asesinato de los revolucionarios.
En el mes de mayo, en la zona de Nuevo Mundo, los guerrilleros   tuvieron un encuentro con los soldados y ahí fue muerto el esposo de una hija de Honorio Machín. Él   llevaba una carabina Italiana con el nombre en la culata de su mujer, la cual   era hermana del Capitán Yayo Machín.
Un mes después se apareció Panchito Castillo y nos dijo que venía a incorporarse de nuevo con nosotros. Él no sabía que Héctor Rodríguez se había salvado y estaba junto a nosotros y que después de una minuciosa investigación habíamos llegado a la conclusión que después que Panchito llevó a los soldados a La Aguada del Jíbaro, partió con el ejército para el campamento de Peña y como él conocía el lugar, pudo sorprender a la gente de Peña. Tan pronto Carreras supo de la llegada de Panchito, lo puso preso y reunió a un grupo de guerrilleros a los que explicó de qué se acusaba a Panchito Castillo. Panchito traía la carabina italiana que tenía el nombre de la mujer del guerrillero muerto y que el ejército le había ocupado. Él reconoció que era culpable de todo lo que se le acusaba y dijo que él trabajaba con su tío que era teniente del ejército. Fue condenado a muerte y allí mismo en un cafetal de la casa de Doña Rosa se cumplió la condena.
También está el caso de un cabo del SIM, al que gracias a su carnet fue identificado. Se había infiltrado en el Escambray haciéndose pasar por un trabajador. Trabajó en fincas y haciendo mapas de un hospitalito que tenía por allí el Dr. Mizrais. También mapas de un campamento de desarmados  y del lugar donde estaba el Estado Mayor, con vista a futuros bombardeos. A este hombre lo cogieron en la última posta, ya bajando y le registran los zapatos. En aquella época ya teníamos el control de toda la Sierra, los caminos cerrados, teléfonos y dos aeropuertos y también dos hospitales improvisados, si es que se les podía llamar hospitales. Ese señor fue juzgado y Jesús Carreras lo ajustició también. Esto arroja un total de dos con Panchito Castillo, el cabo del SIM tres, y aquellos otros tres que asaltaban a nombre de la revolución, son seis, esas son las únicas muertes en las que Jesús Carreras estuvo implicado.
Eso fue así, porque si hubiese sido de otra forma, con la situación que tenía Jesús Carreras con el Ché y también con Víctor Bordón Machado, le hubieran hecho un juicio inmediatamente al término de la lucha contra Batista.
Cuando se produjo el hecho de que William Morgan estaba conspirando con un grupo de gente en el Escambray y estaba llevando armas para Cumanayagua, en esa investigación incluyeron a Carreras. Eso no tenía sentido porque William y Carreras no tenían muy buenas relaciones. Si Carreras hubiera   conspirado, lo habría hecho   con otra gente. William Morgan, y Jesús Carreras nunca se llevaron bien, siempre tenían disgustos, jamás fueron amigos.
Creo que aprovecharon la situación de William para meter a Carreras en esa conspiración, porque así el Ché Guevara le pasaba la cuenta y además se sabía que Jesús   no simpatizaba con los comunistas. Cada vez que ocurría algo así como para juzgar a alguien se mandaban para el Estado Mayor. Jesús Carreras era responsable de ese departamento. El reunía a un grupo de guerrilleros y exponía el caso y se llegaba a un acuerdo. En el caso de los asaltantes, el negro Musulongo fue exonerado porque no se le comprobó nada, pero fue igual en otros episodios, se les ponía a  instalar las líneas telefónicas que los guerrilleros construían en la Sierra.
Así fue como en una ocasión decidimos mandar a unos presos al Estado Mayor y cuando volvieron los soldados con los cuales habíamos enviado a los prisioneros, nos contaron que cuando llegaron al Estado Mayor y Jesús leyó las informaciones,   redactó una nota que decía:
- La próxima vez que surja un problema como éste, júzguenlo ustedes y cumplan la sentencia, pues los rebeldes no tenemos cárcel.
Naturalmente no se podía matar a nadie porque asaltara una casa o robara en una finquita, pero en tiempos de revolución la reacción de los militares es distinta, las cosas son diferentes. En el caso de Carreras se empleó un sentido selectivo de la justicia. Chomón y otros enemigos le calificaron de asesino mientras encubrían al estalinista Pompilio Viciedo, quien asesinó a dos guerrilleros y a un padre con su hijo. La justicia es una sola. Por eso he aclarado esta situación que conocí de primera mano. Toda la problemática relacionada con Pompilio Viciedo está muy bien descrita en un artículo de mi amigo Roger Redondo”. Miguel García Delgado

Y así me sigo informando sobre sucesos que ocurrieron durante mi niñez y de los cuales te escuché hablar a ti con mi padre y demás familiares.
Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,
Félix José Hernández.

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13. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Pablo Guerrero. Pulse sobre la imagen para oír la retransmisión radial del concierto en la emisora pública de RTVE.es.

Cubamatinal/ París, 12 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

El Círculo de Bellas Artes De Madrid acogió el concierto de Pablo Guerrero celebrando el cuarenta aniversario de la publicación de su primer disco A cántaros , en un homenaje dedicado a cuatro décadas de música y poesía.

Pablo Guerrero , cantautor y poeta extremeño afincado en Madrid, comenzó su carrera musical en 1969 en el Festival de Benidorm donde quedó segundo en la clasificación general. Durante los años siguientes publicó una serie de sencillos, pero fue en 1972 cuando su primer LP, A cántaros , vio la luz e inmediatamente la canción de mismo nombre se convirtió en un himno para los perseguidores de utopías en tiempos difíciles.

Desde aquel 1972 ha publicado doce discos que le han llevado a los escenarios de París, Venecia, Alemania y de toda España. Además ha colaborado con su voz y letras con artistas como Luz Casal, Pasión Vega o Ana Belén. También ha sido homenajeado por artistas como Ismael Serrano, que en 2007 publicó Hechos de nubes , disco que recoge las versiones de las canciones de Guerrero que hacen 15 de los principales exponentes musicales españoles, entre ellos: Pedro Guerra, Luz Casal, Joan Manuel Serrat, Ismael Serrano y Víctor Manuel.

En 1988 comenzó a publicar libros de poesía, demostrando su pasión por este arte y su talento para poetizar sus pensamientos no sólo en la música, sino a partir de ahora también sobre el papel. Poseedor de varios premios, como la Medalla de Extremadura (2000) y el Premio a Toda una Vida (2009) en los premios de la Música de Badajoz, destaca su Premio Goya a la Mejor Canción Original con Luz Casal por Tu bosque animado (2001).

Convierte en música algunos de los poemas más célebres de sus poetas favoritos. Y sus dos maestros son Leonard Cohen en lo musical y Federico García Lorca en lo poético. Su lenguaje simbólico está muy cercano a la poesía y su estilo, muy marcado por sus orígenes extremeños, denota la influencia del jazz, el folk americano y el flamenco.

Durante más de cuarenta años, Pablo Guerrero se ha dedicado a la minuciosa elaboración de sus canciones, cuidando cada palabra y cada nota mediante el canto a lo sencillo, a lo natural y a lo imaginario para alcanzar la música poética que le ha convertido en una de las mayores referencias en la música de cantautor. Material sensible, bálsamo terapéutico, emoción pura. Poesía hecha música.

En palabras de Ismael Serrano: “ Pablo es una referencia para los cantautores de este país, (España) no sólo porque es autor de canciones maravillosas, sino porque es un ejemplo de inquietud musical, de búsqueda permanente y un ejemplo también de honestidad y coherencia”.

A cántaros , 40 años de una canción decisiva es un espectáculo de música y poesía protagonizado por este poeta y cantautor único que en el escenario estuvo acompañado por un prestigioso elenco: los músicos Nacho Sáenz de Tejada, Luis Mendo, Christian Pérez y Santi Vallejo, los cantantes Clara Ballesteros, Olga Román e Ismael Serrano y los poetas Juana Vázquez y Raquel Lanseros.

Un gran abrazo desde estas lejanas tierras allende los mares,

Félix José Hernández.

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8. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Cubamatinal/ París, 8 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

El Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes de Madrid, acoge el estreno cinematográfico del documental Los días blancos. Apuntes sobre el rodaje de Nostalghia, de Andrei Tarkovski (España, 2010, 60’) película dirigida por José Manuel Mouriño que se proyectará durante la jornada del 11 de abril y será de acceso gratuito hasta completar aforo.

Tras la proyección tendrá lugar una mesa redonda en la que participará el director de la obra junto con Alberto Ruiz de Samaniego (profesor de la Universidad Vigo, autor de Laobra fotográfica de Anrei Tarkovski ), Rafael Llano (Doctor en Filosofía por la Universidad Complutense, autor de Andrei Tarkovski. Vida y obra ) y Carlos Tejada (Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense, autor de Andrei Tarkovski ).
El documental , de una hora de duración, trata de recuperar la verdadera trascendencia de la que fue la primera película rodada en el extranjero por el cineasta soviético Andrei Tarkovski, Nostalghia. José Manuel Mouriño recupera una serie de apuntes y de material inédito, como las fotografías que realizó el propio Tarkovski durante el rodaje, la visita a algunos de los lugares a los que se hace referencia en la película, entrevistas con algunos de los protagonistas del rodaje del film e imágenes inéditas.
Nostalghia no es uno de los trabajos más estudiados y tenidos en cuenta del cineasta soviético, pero sin duda recoge a la perfección muchos de los principales argumentos que caracterizan toda su filmografía. Fue producida en 1983 entre Rusia e Italia, ganó el Premio Internacional de la Prensa en el Festival de Cannes y el Gran Premio a la Creación Cinematográfica, entre otros otorgados en Dublín, Varsovia o Nueva York.
Los días blancos. Apuntes sobre el rodaje de Nostalghia, de Andrei Tarkovski , no es un homenaje, es, en palabras de su director: “ un trabajo que se ocupa de las circunstancias que condicionaron la gestación y rodaje de Nostalghia”.
Los distintos capítulos que se suceden a lo largo de la obra son tratados por Mouriño como bloques argumentales centrados en diversos aspectos: el rodaje de Tempo di Viaggio, la forma en que fueron tratados las localizaciones naturales de la película, la importancia de los “micropaisajes” y el valor para el relato de la casa reconstruida de San Galgano y la original en Miasnoe.
El epílogo de la obra está protagonizado por un interesante relato narrado por Norman Mozzato, el ayudante de realización de Nostalghia

El Cine Estudio presenta este viaje por la película de Tarkovski, una invitación a reconsiderar la trascendencia de un film injustamente menospreciado y ol vidado.
Un gran abrazo desde La Ciudad Luz y… ¡Felices Pascuas Floridas!

Félix José Hernández.

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7. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Discurso del Apóstol

Cuadro de José Martí en la Cuban Heritage Collection,

Otto G. Richter Library. Coral Gables.

Cubamatinal/ París, 2 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

Me acaba de enviar un admirado amigo desde la capital del exilio cubano, este fragmento del discurso pronunciado por  el Apóstol de nuestra Independencia el 10 de Octubre de 1887, en el Masonic Temple de New York. Posee tanta actualidad que por mi parte huelgan los comentarios.
“…¿Qué importa el sol? ¿Qué importa la nieve? ¿Qué importa la vida? La patria nos persigue, con las manos suplicantes: su dolor interrumpe el trabajo, enfría la sonrisa, prohíbe el beso de amor, como si no se tuviese derecho a él lejos de la patria: una mortal tristeza y un estado de cólera constante turban las mismas sagradas relaciones de familia: ¡ni los hijos dan todo su aroma!
Aturdidos, confusos, impotentes, los que viven lejos de la patria sólo tienen las fuerzas necesarias para servirla. Así vivimos: ¿quién de nosotros no sabe cómo vivimos? ¡Allá, no queremos ir! Cruel como es esta vida, aquélla es más cruel. ¡Nos trajo aquí la guerra y aquí nos mantiene el aborrecimiento a la tiranía, tan arraigado en nosotros, tan esencial a nuestra naturaleza, que no podríamos arrancárnoslo sino con la carne viva!
¿A qué hemos de ir allá cuando no es posible vivir con decoro ni parece aún llegada la hora de volver a morir?… ¿A qué iríamos a Cuba? ¿A oír chasquear el látigo en espaldas de hombre, en espaldas cubanas, y no volar aunque no haya más armas que ramas de árboles, a clavar en un tronco para ejemplo, la mano que nos castiga?
¿Ver el consorcio repugnante de los hijos de los héroes, de los mismos, empequeñecidos en la impureza, y los vicios importados que ostentan, ante los que debieran vivir de espaldas a ellos, su prosperidad inmunda?
¿Saludar, pedir, sonreír, dar nuestra mano, ver a la caterva que florece sobre nuestra angustia, como las mariposas negras y amarillas que nacen del estiércol de los caminos? ¿Ver un burócrata insolente que pasea su lujo, su carruaje, su dama, ante el pensador augusto que va a pie a su lado, sin tener de seguro donde buscar en su propia tierra el pan para su casa?
¿Ver en el bochorno a los ilustres, en el desamparo a los honrados, en complicidades vergonzosas al talento, en compañía impura a las mujeres, sin los frutos de su suelo al campesino, que tiene que ceder al soldado que mañana lo ha de perseguir, hasta el cultivo de sus propias cañas?
¿Ver a un pueblo entero, a nuestro pueblo en quien el juicio llega hoy a donde llegó ayer el valor, deshonrarse con la cobardía o el disimulo? Puñal es poco para decir lo que eso duele. ¡Ir, a tanta vergüenza! Otros pueden: ¡Nosotros no podemos!…” José Martí
Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,
Félix José Hernández.

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3. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Cubamatinal/ París, 2 de abril de 2012.

Querida Ofelia:

¡Viaje con nosotros!, comisariada por Jorge Díez, trata de ser una muestra plural del nuevo cómic español surgido en los años ochenta y que ha alcanzado su plena madurez creativa dos décadas después. Es una exposición colectiva, organizada por Acción Cultural Española y el Instituto Cervantes de Tokio.

¡Viaje con nosotros!toma el viaje como eje temático y está integrada por las obras de Miguel Gallardo, Keko, Mauro Entrialgo, Max, Micharmut y Miguelanxo Prado, seis autores que han logrado un lenguaje personal y que, desde seis focos geográficos distintos (Cataluña, Madrid, País Vasco, Baleares, Valencia y Galicia), dibujan con trazo propio y diverso el panorama actual del cómic español dentro de la escena internacional.

El comic o historieta nació como un medio de masas vinculado a la prensa a finales del siglo XIX y ha sufrido una profunda transformación hasta nuestros días. Actualmente, junto a un sector plenamente integrado en las industrias de la cultura que se dirige al público infantil, el cómic para adultos sólo mantiene alguna cuota significativa de mercado y un cierto carácter masivo en el campo humorístico o satírico.

El cómic norteamericano de superhéroes y el manga japonés en todas sus versiones parecen haber arrasado con lo que en los años sesenta del pasado siglo supusieron las propuestas del cómic  underground  americano y la vitalidad de algunos autores y editoriales europeos, especialmente del área francófona, que generaron nuevas y creativas propuestas muy próximas a las inquietudes políticas y culturales de esa época.

Una generación de autores del cómic llamado independiente, alternativo o de vanguardia surgió con pujanza en los años ochenta tratando de abrirse camino entre la indiferencia más absoluta tanto de la industria editorial establecida como de los canales de distribución del mercado comercial de la historieta.

En pocos campos artísticos se ha dado, como en el cómic por parte de los propios autores, un esfuerzo de creación de un marco propio de difusión de la obra en libertad, bien a través de fanzines y revistas periódicas auto editadas o bien con la complicidad de pequeñas editoriales independientes.

Lógicamente, se produjeron trasvases y absorciones por parte de las grandes editoriales y del entramado comercial del sector, al tiempo que se creaba un espacio propio en el mercado y un respeto entre los lectores y los medios, todo lo cual ha conducido a que muchos de esos autores fueran premiados por el sector público y privado y obtuvieran un merecido reconocimiento profesional.

Anualmente se celebran en Europa distintas ferias y encuentros que en alguna medida han ido dando cabida a estos autores independientes. En España, al ya consolidado y comercial Salón Internacional del Cómic de Barcelona se han unido, por ejemplo, las ferias de A Coruña y Avilés. También recientemente se creó el Premio Nacional de Cómic, otorgado a Max en su primera edición.

Con motivo de la exposición se publica una pieza singular y complementaria del proyecto  ¡Viaje con nosotros!  Incluye una historieta de cada autor sobre el viaje, realizada especialmente para la ocasión. Salvo en el caso de Micharmut, estos nuevos trabajos han sido hechos en gran parte de forma digital y sólo aparecen de manera muy limitada en la propia exposición. Por el contrario, de las más de 120 piezas que integran la exposición, la gran mayoría originales y ya publicadas, sólo una pequeña parte se incluye aquí ilustrando los textos escritos por el comisario y por Eduardo Bravo, Paco Cerrejón, Javier Candeira, Santiago García, Francisco Naranjo y Carlos Portela quienes han sido elegidos respectivamente por Gallardo, Keko, Mauro Entrialgo, Max, Micharmut y Miguelanxo Prado para hacer una aproximación personal a su trayectoria.

Realizada en coedición con Sins entido, acompaña a la exposición en su itinerancia fuera de España y tendrá una distribución específica en los circuitos de distribución especializados en el cómic.

Para acompañarla en Tokio se ha editado un amplio folleto en japonés, que recoge todos los textos y diversas informaciones de la exposición, además de los propios textos de las historietas realizadas por los autores para este proyecto.

En paralelo a la exposición, Acción Cultural Española proyectó en el Cervantes de Tokio la película documental  María y yo, dirigida por Félix Fernández de Castro y basada en el cómic de Miguel Gallardo, en el que narra el viaje de una joven autista a Gran Canaria en compañía de su padre Miguel para pasar las vacaciones en un  resort. Tras la proyección, se abrió un debate con el dibujante.
Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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2. Abril 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Carlos  Maciá

Cubamatinal/ París, 2 de abril de 2012.      

Querida Ofelia:

El espacio Arte e Pesquisa, situado en el Palacio Pombal de Lisboa, desarrolla una programación que pretende integrar las prácticas culturales y educativas a la ciudad de Lisboa a través de un extenso programa multidisciplinar. Desde su creación en 2009, la sede ha mostrado especial interés por difundir el arte contemporáneo español, siendo este otro proyecto de un artistas de nuestro país –Greta Alfaro, Pau Ardid, Fernando Sánchez-Castillo, Álvaro Negro y, ahora gracias a AC/E, Carlos Macià- que exhibe el palacio.

En su exposición en Carpe Diem Arte e Pesquisa Carlos Maciá ocupa diferentes espacios del Palacio Pombal para realizar intervenciones pictóricas específicas en diálogo con la arquitectura del local. Se trata de apropiaciones invasivas de la pintura, -expandida y expansiva-, que invade el espacio envolviendo sus elementos en las grandes citas internacionales de arte contemporáneo arquitectónicos, utilizándolos como simple disculpa para indagar sobre los límites del propio medio, sobre “qué” y “cómo” seguir pintando en la actualidad. Una de las obsesiones que recorren la obra de Carlos Maciá es la utilización de todas aquellas actitudes que a priori carecen de una intención artística, de rescatar accidentes afortunados. Los trabajos aquí presentados son abiertos y adaptables, y aprovecha las situaciones que surgen hasta dar con la intervención final.

Los artistas que participan en la muestra junto a Carlos Maciá son Adrian Paci (Shkoder, Albania), Emma Ciceri (Ponte San Pietro, Italia), Giovanni de Lazzari (Lecco, Italia), Márcia de Moraes (Sao Carlos, Brasil), Vasco Araujo (Lisboa, Portugal) y Vera Mota (Oporto, Portugal).

Acción Cultural Española es un instrumento ágil y eficaz del Gobierno para proyectar la imagen de España como país moderno e innovador, diverso y plural en su cultura, dinámico en la producción artística y orgulloso de su legado histórico. Uno de sus objetivos es la promoción y difusión las diversas realidades culturales de España fuera de nuestras fronteras. Para ello colabora con artistas y profesionales españoles con el fin de facilitar el conocimiento del arte español siguiendo las directrices geográficas del Plan de Acción Cultural en el Exterior (PACE).

Carlos Maciá(Lugo, 1977). Licenciado en Bellas Artes. Universidad Politécnica de Valencia. 1999-2004.Cursos de doctorado. Facultad de Bellas Artes. Universidad Complutense de Madrid. 2004-2006. Vive y trabaja en Madrid.

Félix José Hernández.

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